Metamorfosis

El coletazo de Millenium

2010-01-21T10:13:00.000-08:00

El primer cartel de la última película basada en los libros de Stieg Larsson ya está aquí. Con una estética muy punkie y mirada y actitud vengativa, la pequeña Lisbeth se prepara para hacer el punto final de Millenium con La reina en el palacios de las corrientes de aire. La película llegará a las salas de España el próximo 5 de marzo.

Niños malos IV

2010-01-17T08:09:00.000-08:00

Los chicos del coro (2004). Todo el mundo recuerda con especial cariño esta película francesa. Se trata del típico drama con toques de comedia que triunfa en los cines galos para posteriormente arrasar en las taquillas del mundo y ganarse el apoyo general de la crítica. Algo similar pasó con Amélie, que en su momento despertó un furor aún más acérrimo. Los chicos del coro es el típico filme donde un maestro llega a un colegio de niños marginados y les cambia la vida aleccionándolos en una práctica determinada -en este caso, el canto coral- que se acaba convirtiendo en la pasión de su vida. El lugar en cuestión es un internado llamado “Fond de l’Etang”, o sea, “Fondo del Estanco”. ¿No es un poco evidente por el nombre que allí residirá la purria de la sociedad? Ya de paso, podrían haberlo llamado “La Taza del Váter”, “El Páramo del Desguace” o directamente “Margilandia”. En fin, que el lugar es el Bronx y sus habitantes son niños más o menos cabrones y perturbados, contra los cuales sólo se puede luchar utilizando el método de la “acción-reacción”, o sea, si se portan mal, putearlos al máximo. Hasta que llega el bueno de Clément Mathieu y exporta su método de la comprensión, la música y bla bla. En este tipo de películas siempre hay unos cuantos chavales que tienen una personalidad más marcada y un mayor protagonismo, y ésta no es una excepción. La estrella es Pierre Morhange, un niño cuya cara presenta una interesante fusión entre un ángel anunciador y un rábano. Es el típico niño callado, misterioso y traumatizado, que se porta mal para rebelarse contra lo jodida que es su vida, pero que en realidad es inteligente y tiene mucho que ofrecer. Y una perfecta voz de soprano, claro. Lo cierto es que la banda sonora de la película la puso una coral de verdad, la coral de Saint-Marc, que está compuesta por unos 80 niños (no por dos decenas, como la coral de la peli). Y resulta que el actor que interpretó a Pierre, Jean-Baptiste Maunier, es miembro de esta coral -el único miembro de la coral que sale en la película y el único actor de la película que sabe cantar. Esto acarreó una cierta controversia en su tiempo, pues por lo visto el pequeño Jean-Baptiste se forró de pasta y se llevó gran parte de la gloria, mientras que sus compañeros de la coral… digamos que se los dejó un poco al márgen del éxito y del repartimiento del pastel. Finalmente, en 2005, Jean-Baptiste decidió abandonar la coral, con la que después del éxito de la película había realizado giras por todo el mundo, para centrarse únicamente en su carrera como actor. De hecho, incluso llegó a declarar que lo que realmente le gustaba era el rock duro, y que detestaba la música clásica, la encontraba aburrida y le hacía dormir.

La semilla de Chucky (2004). Cambio de registro para hablar de Chucky, un clásico del terror. Más de veinte años después del nacimiento de la franquicia y tras 5 filmes, todo el mundo conoce al Muñeco Diabólico. No lo he incluido antes en la lista porque técnicamente no es un niño, sino el alma del asesino en serie Charles Lee Ray atrapada en el cuerpo de un muñeco. La serie empezó como una saga de terror, pero pronto fue derivando hacia la comedia cafre y sangrienta -sin duda contribuyó a ello la personalidad “fuerte”, por decir algo, de Chucky. En 1998 se estrenó La novia de Chucky, donde el muñeco compartía protagonismo con su novia Tiffany. La película contenía una grotesca escena de sexo entre muñecos, lo que ocasionaria el consiguiente embarazo y, con ello, una nueva película, de momento la última de la serie, en que los muñecos serían 3: Chucky, Tiffany y la criatura. Recuerdo poco de esta película que vi en el cine en su tiempo. La broma principal del filme es el hecho de que no se sabe si el hijo de Chucky es un niño o una niña. De hecho sus padres discuten todo el tiempo sobre ello e incluso le ponen al retoño dos nombres diferentes: Chucky apuesta por Glenn, convencido de su masculinidad, mientras que Tiffany asegura que es Glenda. La criatura, que no parece tener genitales, no se pronuncia al respecto. Al final la madre tiene razón y su semillita se queda el nombre de Glenda. La película está en esta lista precisamente por Glenda. Tener locos a sus padres solo por el hecho de ser un muñeco asexuado ya es bastante malo. Pero la maldad de Glenda reside, sobre todo, en que no quiere seguir los pasos de sus progenitores. No quiere matar. Quiere ser buena, y eso la convierte en una verdadera pesadilla para Chucky y Tiffany. ¿No es cierto que los hijos nunca se interesan por las aficiones de los padres? Pues ni siquiera en el mundo de los muñecos asesinos hay excepción. De hecho, el argumento gira entorno a la lucha de Chucky y Tiffany por dejar la mala vida, por ser buenos padres y no cometer más crímenes. Pero eso no es tan fácil, pues para ellos dejar de matar es como dejar de fumar, es una adicción, y se ven contínuamente tentados a hacerlo. Obviamente, sucumben varias veces, siempre bajo una misma filosofía: “Roma no se construyó en dos días…”.

The squid and the whale (2005). Cambiamos de género para hablar de esta comedia dramática que nos sirve como otro claro ejemplo de lo que ya veíamos en filmes anteriores: los niños malos los crean los padres. En este caso, la causa es el divorcio. La película utiliza su título como una metáfora: The squid and the whale es una escultura que se encuentra en el Museo de Historia Natural de Nueva York que recrea una lucha entre un calamar gigante y una ballena. Lucha encarnizada comparable a la que llevan a cabo los dos padres del filme. Y no sólo eso, porque además utilizan a sus propios hijos en la confrontación. Estos son Frank, preadolescente, y Walt, adolescente (interpretado por Jesse Eisenberg, recientemente conocido por su trabajo en Zombieland). Resulta que la custodia de los hijos es compartida, y cada uno de los niños prefiere, en principio, a uno de los progenitores… Pero el argumento se lía considerablemente, y se acaban sucediendo una serie de “traiciones” y “cambios de bando” bastante divertidos pese a lo dramático de la situación. De hecho, la película se basa en la propia experiencia de su director y guionista, Noah Baumbach, y su hermano, cuando vivieron la separación de sus padres. Y pienso que Baumbach tuvo mucho valor al relatar unos hechos que me pregunto hasta qué punto serán ciertos, porque la verdad es que los niños en la película acaban bastante idos de la olla. Por ejemplo, Walt, el mayor, “compone” con su guitarra una canción para un festival en su instituto, y gana el primer premio… hasta que se descubre, días después, que la canción no es otra que Hey You, de Roger Waters, que el joven ha firmado como si fuera suya. Las de el pequeño Frank son bastante más sonadas: al niño le da por empezar a beber, lo que deriva en borracheras considerables y, por si fuera poco, coge la curiosa afición de masturbarse en la biblioteca de su colegio e ir esparciendo por los libros sus propios fluidos. Dulce infancia.

Tideland (2005). Paso brevemente por esta rareza por una sola razón: no se puede hablar mucho de ella, hay que verla para saber de qué se trata. Su director, Terry Gilliam, siempre se ha movido por la fantasía extraña, a veces casi alucinógena y con tintes oscuros, pero sus películas nunca estaban exentas de un cierto optimismo, humor o por lo menos ironía… hasta que llegó Tideland y mostró su cara más macabra y dura. El filme nos adentra en el mundo de fantasía de la joven Jeliza-Rose, que vive con su padre en una vieja casa rodeada por campos de trigo, en medio de la nada. Resulta que su padre es un roquero heroinómano -a quien la inocente niña ayuda a drogarse- y en uno de sus viajes acaba palmándola. Así, Jeliza-Rose se queda sola con el cadáver de su padre -a quien en ningún momento da por muerto- y sus espantosas muñecas (unas Barbies en penoso estado), con las que la cría mantiene largas conversaciones, convirtiéndolas en sus confidentes y compañeras de juegos. La premisa en sí ya es una locura, pero la cosa se va poniendo cada vez peor, cuando entran en escena unos peculiares vecinos: una vieja que se dedica a la taxidermia y un joven retrasado mental que se convierte en novio de Jeliza-Rose. A mí me gustó la película, de hecho es una de mis favoritas de su director, pero no es de extrañar que gran parte de la crítica la considerara un espanto, una aberración y un producto sin otro objetivo que la simple provocación.

This is England (2006). Quizás sería injusto catalogar como “niño malo” al protagonista de esta película, personaje basado en la infancia de su director, Shane Meadows. El filme gira en torno a lo influenciables que somos las personas en una cierta edad, y cómo la necesidad de pertenecer a un grupo nos puede convertir en malas personas. Narra el filtreo del joven Shaun con un grupo de skinheads. Al principio no hay problema: sus amigos son jóvenes interesados simplemente por la música y las fiestas, cuya estética sirve como herramienta de “cohesión” del grupo, sin ir más allá ideológicamente. Incluso uno de ellos es negro. Pero una ala radical de skinheads interfiere en la vida pacífica de los jóvenes, y come el tarro a algunos de ellos, entre ellos a Shaun. Así, el muchacho se ve envuelto en líos considerables -incluso atenta contra una tienda de paquis-, hasta que la escalada de violencia llega demasiado lejos y acaba comprendiendo que la gente no tiene porqué ser buena o tener razón por el único hecho de aceptarle en su grupo.

Little miss sunshine (2006). Vamos con la película indie por excelencia. Mucha gente conoce este filme, así que no voy a explicar de qué trata. Lo que más me gusta de él es que plasma de una forma… ¿bonita? la “sociedad” que crean un abuelo, Edwin Hoover, y su nieta Olive. Por mucho que el abuelo sea un cascarrabias malhablado, no deja de ser una persona inocente que quiere a su nieta y se esfuerza por ayudarla a cumplir su sueño -ganar un concurso de modelos. Olive obviamente es inocente, aún más si tenemos en cuenta que ella cree que tiene posibilidades de ganar, estando lejos del cánon de “belleza” de las Barbies que se presentan a ese tipo de concursos. Lo gracioso del caso es que estas dos grandes inocencias, cuando se juntan, la lían bien liada: resulta que el baile que tiene preparado Olive para presentar su candidatura es un show sensual al estilo de una stripper. Aquí se presenta un gran dilema: ¿por qué el abuelo le enseña un baile así? Algunos piensan que es un pederasta, un enfermo. Otros, que lo hace para reírse de la organización del concurso, para satirizar la “prostitución” de la infancia que se lleva a cabo en ese tipo de eventos. Yo creo que eso lo hace la película por sí misma, y me gusta creer en la plena inocencia del abuelo, por eso pienso que simplemente el hombre le enseña, de buena fe, lo único que sabe en cuanto a bailes, sin pensar que va a ser algo totalmente inapropiado. Aunque bueno, es sólo mi opinión. De todas formas, me gustan las películas que te plantean dudas y te hacen pensar.

Tenacious D in The Pick of Destiny (2006). Esta película, que yo sepa, nunca se ha estrenado en España. Cuenta, de forma ficticia, la supuesta creación y estrellato del grupo de rock humorístico Tenacious D, formado por Jack Black y Kyle Gass. Mi escena favorita es la inicial, cuando se presenta el personaje de Jack Black desde su tierna infancia. Resulta que el niño vive en un barrio suburbial del pueblo de Kickapoo (que traducido al español sería algo así como “patea un mojón, una boñiga”). Reside allí con su familia perfecta y ultracatólica, pero él es diferente: le gusta el rock and roll y alaba a los dioses del heavy metal (literalmente, alaba y reza al mítico cantante Dio). Un gran momento es cuando entra al comedor con una guitarra, cuando sus padres y su hermano están bendiciendo la mesa y se disponen a cenar, y el joven JB se pone a cantar una canción sobre patearle los cojones a un dragón y montar una buena jodida fiesta (lo hace repitiendo constantemente la palabra “fuck”). Ese niño es mi ídolo.

Paranoid Park (2007). Aunque no es de las más conocidas de su filmografía, esta es, a mi jucio, una muy buena película de Gus van Sant en su vertiente más “independiente”. Cuenta la historia de un adolescente aficionado al skate que una noche mata accidentalmente a un guardia de seguridad en unas vías de tren. Es interesante la lucha interna del joven: primero piensa confesar, pero luego ve que se metería en grandes problemas, y que realmente no es muy difícil engañar a la policía. Es una película sencilla, pero considero que retrata muy bien el “vacío” en que vive un joven desmotivado por la vida y por la gente que le acompaña, y que quizás simplemente necesita a alguien que lo escuche y entienda sus problemas.

Home Movie (2008). Ésta la vi en Sitges en 2008, y la verdad es que me gustó mucho, es una pena que no la estrenaran en las salas españolas. Es la típica película hecha a través de grabaciones domésticas, pero no por eso -el concepto ya está muy visto- deja de ser original. Las grabaciones son las típicas de una cámara doméstica: cumpleaños, Halloween, Navidades, etc. Resulta que tenemos a un matrimonio joven con dos hijos pequeños, un niño y una niña. Se han mudado recientemente a una casa grande lejos de la ciudad para estar tranquilos.Un día, los niños demuestran un comportamiento algo violento. Jugando con su padre, le hacen daño. Puede parecer un accidente sin importancia. Otro día, otro “accidente”. Luego, una travesura. Después, una actitud muy mala. Los castigan. Pero otro día la vuelven a liar: rompen cosas, se niegan a obedecer. Cada vez son más violentos, hasta que los padres se dan cuenta de que les pasa algo. La cosa se pone heavy cuando los niños empiezan a matar animales y luego atacan e intentan matar a un compañero de su clase. Entretanto, los padres se ponen manos a la obra para intentar solucionarlo. Es interesante que se posicionan en dos hipótesis diferentes: la madre, psicóloga, cree que tienen una enfermedad concreta, y empieza una terapia con ellos, incluso les receta medicamentos; en cambio, el padre, que es sacerdote, está convencido de que sus hijos están poseídos por el demonio o alguna otra fuerza sobrenatural, e investiga al respecto. Lo bueno es que la película acaba y en ningún momento se ha dicho claramente quién de los dos tenía razón. Por tanto, deja al espectador debatiéndose entre si era un caso científico o paranormal.

Los mundos de Coraline (2009). Acabamos la lista con esta aclamada película de animación que sorprendió a todos hace menos de un año. Coraline es una niña fastidiada por vivir en un mundo que no está hecho a su medida. Se aburre en su enorme casa, y sus padres no le prestan la atención que ella quisiera. Por eso, cuando encuentra un mundo paralelo donde todo parece ser perfecto -excepto el hecho de que todos los que habitan en él no tienen ojos, sino botones, un pequeño detalle sin importancia-, no duda en querer quedarse a vivir en él. Lo mejor del filme es la recreación de ese universo tan fantástico, y cómo poco a poco se va transformando en una pesadilla para la niña. La película juega, a mi entender, con una idea: lo bueno de la vida son sus matices, la vida tiene que tener lo bueno y lo malo, nada puede ser perfecto, porque lo perfecto acabaría convirtiéndose en algo horrible. Así, al final, la pequeña Coraline acaba aprendiendo a conformarse con lo que tiene.

Fin de NIÑOS MALOS

Killer.

Gino Rubert: "No leo best-seller"

2010-01-11T01:27:00.000-08:00

Gino Rubert (México, 1969) autor de las portadas de la edición española y catalana de la trilogía Millenium de Stieg Larsson.

"Soy Gino Rubert, un chico tímido con muchas aficiones: escalar, pintar, tocar el piano. De pequeño dibujaba, luego estudié Ilustración en Nueva York, me especializé en el dibujo anatómico, cosa que me agradaba mucho y que más tarde me serviría en mi trabajo como pintor. Con el tiempo, después de varios trabajos en diarios y revistas, me di cuenta de que la Ilustración no era para mí, que era un ilustrador negado. Mi sistema de trabajo es como dice Mario Vargas Llosa en el prólogo a Historia del Ojo de Bataille: el arte tiene dos formas de aproximarse al arte y una de ellas es la de que el contenido precede a la forma. En mi caso sucede todo lo contrario, como ilustrador la forma precede al contenido, así que es un drama porque cuando intentaba invertir esta forma natural mía de hacer me generaba una ansiedad tal que no me agradaba nada de lo que hacía. Así que fui aceptando que la Ilustración no era lo mío y comencé a pintar hasta que un día gané un concurso de la Sala Parés y la beca de Roma que me abocó de forma más radical a la pintura. Antes de Millenium me habían pedido también alguna pintura para la portada de un libro, en el caso de esta trilogía fue Silvia Sesé, editora de Destino, quien me llamó y me lo propuso, ella conocía mi obra. Yo no podía hacerlo, no tenía tiempo, así que le propuse adaptar alguna imagen de mi obra. La primera la encontraron fácilmente. Luego pensé que quizás al ser una trilogía no encontrarían otras 2 más que les agradaran y que me tocaría hacerlas, pero bueno ya lo había dejado claro. No haría nada.

Imagen portada Los hombres que no amaban a las mujeres

(Serie True Blues, G.R)

La segunda fue la más complicada de encontrar. Tuvimos que borrar la figura masculina - el propio Rubert es el protagonista - que aparecía al lado de la chica. Esta portada lleva un tratamiento de imagen y Photoshop más potente que cualquiera de la otras.

Imagen portada La chica que soñaba con una cerilla y un bidón de gasolina

(Serie Spoiled boy, G.R)

Se puede decir que sí hay similitudes entre Lisbeth y la protagonista de mis cuadros aunque los atributos principales son prácticamente contradictorios: la chica de las portadas con el cabello largo da una imagen muy clásica mientras que Lisbeth tiene piercings, tatuajes, el cabello corto. Puede parecer que no tengan nada que ver pero hay una cierta demencia en sus miradas que las hace común.

Imagen portada La reina en el palacio de las corrientes de aire

(Serie Lección de Anatomía, G.R)

Al haber participado en las portadas podría haber leído los libros antes de que salieran a la venta pero no lo hice. Me he entretenido mucho leyéndolos, me enganché y me leí cada uno en 4 dias. Pero la verdad es que no es el tipo de literatura que suelo leer, pues leo poco y cuando lo hago prefiero no leer best-seller. Al leer los libros y ver las portadas crees que no tienen relación alguna. Realmente la única que encuentro interesante, pues me parece muy audaz, es la primera que tiene un punto original, ya que hasta que no llegas a la página 400 y pico no entiendes qué tiene que ver con la portada, pero de repente ¡pum pum, lo entiendes! Las otras dos son más psicológicas, ya sabes cómo es el personaje y lo vas relacionando todo. La segunda portada recuerda también al inicio del libro y esta chica atada en la cama. La tercera es una imagen muy de hospital, la Lisbeth que está machada porque casi la matan y la imagen de la chica con esas piernas que parecen ortopédicas. Yo juego con la descolocación del espectador. Mis imágenes fluyen entre lo bonito y lo feo, lo pacífico y lo violento. Intento que sean imágenes donde la lectura no esté cerrada, imágenes que te sugieran, que te inviten y no que te expliquen, que el espectador quede un poco incómodo con eso que no acaba de entender.

En mis pinturas cobra mucha importancia la fotografia, es un factor de seducción irrefutable que tiene que ver con la potencia y la magia del retrato fotográfico, por ejemplo de unos ojos inexpresivos que sin embargo te miran de manera muy inquietante. También tengo influencias de pintoras como Frida Kahlo, una artista que admiro mucho y a la que me siento muy cercano por su obsesión por el autoretrato y la simbología propia que crea a su alrededor, al contrario de otras pintoras como Remedios Varo o Leonora Carrington que usan recursos simbólicos más convencionales. Como Kahlo intento no caer en la poética fácil de lo mágico y lo onírico y crear mis propios símbolos. Yo creo que con mi obra intento mostrar lo masculino y lo femenino como fuerzas vitales: cuando represento una mujer estoy representando mi parte femenina en tanto que flexible, intuitiva, líquida; y cuando represento un hombre pues mi parte más masculina, formas cuadradas, rígidas, metálicas. Pero en sí lo que hay es una mirada irónica e incluso gamberra respecto a los roles en las parejas del marido y la mujer. En varias ocasiones me han acusado de machista, misógino... tengo que reconocer que mi obra está centrada en los géneros por tanto siempre habrá un discurso en torno a la mujer y al hombre, pero no creo que sea en este sentido. Mis pinturas representan ese miedo histórico que han albergado los hombres en los últimos siglos respecto a las mujeres y su lucha por el poder, aunque hoy día creo que hay tanto machismo en las mujeres como en los hombres. Claro que no todo el público hace esta lectura de mis obras, más bien ven que hago una ridiculización insultante hacia el hombre más que hacia la mujer que aparece ensalzada y embellecida. Puede ser que en mis cuadros haya violencia, pero es que hoy día la violencia está en todas partes. De forma más o menos explícita pero está presente.

Mi obra va más allá de las portadas de Millenium. Hace un año y medio cuando no me imaginaba la repercusión mediática que esto tendría pensé que quedaría para siempre como 'el de las portadas del Larsson', pero ya no lo pienso. Lo tengo asumido, claro, porque soy el creador de dichas portadas, pero mi carrera es más internacional. La gente de fuera me conoce por mi trabajo y no por las portadas. Realmente no sé si esto ha sido una cosa muy buena, pues aquí la gente comienza a saber de mí por esas portadas y no por todo mi trabajo anterior. Aquí siempre he sido un bicho raro, porque si no haces arte conceptual no existes. A nivel institucional todos mis compañeros se han llevado las becas y yo no he tenido nada. Sí, las portadas están bien aunque para mí estaría mucho mejor exponer en la Bienal de Venecia. Son cosas distintas, no tienen nada que ver".

Entrevista realizada por Karen Fernández y David Guerrero

Nuestro Gran Hermano

2010-01-06T05:36:00.000-08:00

Hola. Feliz año. Vuelta de vacaciones. Retomamos el vuelo y nunca mejor dicho. El debate sobre la introducción de escáneres corporales en los aeropuertos para luchar contra el terrorismo nos viene como anillo al dedo para comentar la última clase del 2009 del seminario de Stieg Larsson que imparte el profesor José María Perceval en la UAB.

Perceval propone una mirada a la verdad, la libertad y la justicia según Michael Blomkvist. Y yo lo ligo todo en un cóctel que no tiene nada que enviadar al Molotov: videovigilancia, escáneres, cacheos y una pobre concepción del término intimidad. En la clase comentábamos que la Libertad y la Justicia son dos amantes muy, muy, muy exigentes. Todo se limita a una regla muy sencilla:

la Libertad exige Justicia: todo pueblo que se vanaglorie de vivir en plena libertad demanda también una dosis de justicia para salvaguardar semejante virtud de aquellos que prefieren tomar otro rumbo
La Justicia anula la Libertad: al menos la de aquéllos que se han "desviado", de los culpables

La Justicia limita la Libertad: de aquéllos que quieren resguardar tales derechos

Y la Justicia conlleva siempre una dosis de violencia, cuyo único actor legítimo para ejercerla es el Estado. Y no me refiero sólo a violencia física, otros tipos de violencia como las escuchas telefónicas, los escáneres corporales, las cámaras de videovigilancia en nuestras esquinas y demás hacen el mismo daño que los latigazos en la espalda.

Con la amenaza terrorista en las espaldas los gobiernos han decidido que es hora de sacar unas maquinitas - escáneres corporales - muy divertidas que "mediante unas ondas electromagnéticas, generan una radiografía en blanco y negro del cuerpo desnudo del viajero en la que el policía ve claramente las partes del cuerpo -genitales incluidos- y comprueba si se ocultan armas o droga". En Estados Unidos ya están en funcionamiento mientras que algunos estados de la UE están a la espera de una decisión conjunta, aunque España ya ha dicho que no las instalará. De momento. Un reportaje de El País explica muy bien el funcionamiento y la trampa de estos aparatitos.

En el caso de Millenium los caracteres de Blokmvist y Salander chocan profundamente cuando ella defiende una manera menos lícita de castigar y hacer justicia en tanto que su compañero quiere mantenerse dentro de la ley. Blokmvist es también un amante de la justicia y la libertad: en su revista intenta sacar todos los trapos sucios de su país y sus magnates, pero ¡ah! ¿quién viene ahí? Lisbeth Salander le muestra otro camino más rápido pero sin duda complicado y arriesgado de ventilar eso que huele mal y además dar una patadita a quien se lo merece. En ese juego de amor, odio y poder Blokmvist acaba admirando la atípica forma de comportarse de Salander que la hace libre a sus ojos. Pero, ojo, error. ¿Es Salander el personaje más "libre" de Millenium? Yo creo que su trasfondo familiar y social la ata más que ninguna otra cosa. Su lucha interna, el ansia de venganza y de dar una tunda cualquiera que se mueva la mantiene constantemente en alerta, atada, atrapada.

El novio de 'Pippi'

2009-12-11T09:54:00.000-08:00

Mikael Blomkvist. ¿Os suena de algo? Quizás de Millenium. Sí, sí, Millenium, ya sabéis, Larsson, polis, corrupción, Salander. Sí, sí, seguro que os suena. Aunque también os puede sonar de alguna historieta de la escritora sueca Astrid Lindgren, la misma de Pippi Calzaslargas. Resulta curioso que Larsson tomara ADN de los personajes de su compatriota para crear -como si del Dr. Frankenstein se tratara- estos "superhéroes". Otros creen que Blomkvist es un alter ego del propio Larsson. En Los hombres que no amaban a las mujeres, Blomkvist es presentado como un periodista de investigación muy currante que "mete la pata" casi a propósito al publicar unas informaciones que no son del todo ciertas ni están correctamente confirmadas, por lo cual es condenado a pasar unos meses en chirona. Como si del mismísimo Kalle Blokmvist se tratara, este moderno, adulto y "atractivo" hombrecillo va por ahí olisqueando lo que se guarda el poder bajo la manga, lo que ocultan los poderosos del inocente pueblo. Si pretendía ser la estrella principal de la trilogía se ha equivocado; todo el protagonismo que parece adquirir desde las primeras páginas del primer tomo se va desvaneciendo a medida que entra en acción la pequeña Lisbeth. Sigue apareciendo, pero más bien como "protector" de nuestra Pippi. Y como todo un rompecorazones, eso sí.

Sabemos de su flirteo con la editora y socia de Millenium, la también periodista Erika Berger. Y con Lisbeth también inicia un curioso idilio. Interpreta el papel de un "padre protector", el chico que te dice "todo irá bien, nena". De otro modo no sería él quien acaba rescatando a Salander cuando peor lo está pasando. Un príncipe azul con palacio de Ikea, vamos.

Sus técnicas periodísticas: tirar de contactos. Y si no se puede contactar a alguien: regalárle un móvil, la técnica del sorteo.

El personaje es interpretado por el sueco Michael Nyqvist.

Niños malos III

2009-12-11T08:23:00.000-08:00

Este chico es un demonio (1990) / Este chico es un demonio 2 (1991) / Este chico es un demonio 3 (1995). En la segunda parte de Niños Malos anuncié que los 90 pusieron de moda el perfil del niño travieso en Hollywood. Sin duda, la franquicia más célebre dentro de este subgénero fue la de Solo en casa. Pero no fue la única, ni mucho menos. Éste chico es un demonio, junto a sus dos secuelas, engendró el famoso personaje de Junior. Junior es el típico niño pillo, pero es muy, muy malo. Sus películas son comedias tontas, realmente son bastante malas, pero contienen un humor que dista un poco de ser blando e infantil. De hecho, en algunas escenas hay un humor bastante grueso, con referencias sexuales y chistes verdes. Junior es tan malo que es capaz de transformar una comedia infantil en algo en ocasiones… ¿desagradable? El chaval es tan diabólico que cuando sale del orfanato donde se ha albergado durante toda su vida, las monjas dan una fiesta por todo lo alto para celebrar su partida. Sí, es un chico malo, pero no se puede negar que el niño tiene buenas salidas. Por ejemplo, cuando está lavando platos y una monja gorda y fea le dice de malas maneras que quiere que la vajilla quede tan limpia que pueda ver su rostro reflejado en ella. Junior coge un plato lleno de suciedad y le dice: “mira, éste se parece bastante a ti”. Luego hay bastante humor de pedos y culos. Recuerdo, por ejemplo, una escena de la segunda parte en que Junior tira un petardo por una tubería de su colegio, y éste acaba estallando en un W.C. justo cuando un profesor se pone a cagar. Pero sin duda la escena más gloriosa de toda la trilogía es la del parque de atracciones. Puede sonar lamentable, pero la considero una de las escenas más memorables de la historia del cine. Y una de las más asquerosas también. Se han rodado muchas escenas con gente vomitando, incluso vomitando exageradamente… Pero ninguna ha llegado al punto donde nos llevó Junior. Por si alguien no sabe de qué estoy hablando, la cosa es simple: el niño manipula los controles de Crazy Dance, una atracción de feria de ésas que dan muchas vueltas (algo así como la Serpiente Emplumada de Port Aventura), haciendo que ésta se vuelva loca y empieze a girar a una velocidad de vértigo, lo cual provoca el vómito de los que están en la atracción y de las personas que están mirando. Lo bueno es que no sólo vomitan a chorro, sino que además lo hacen los unos sobre los otros, manchándose entre ellos, salpicando a la gente que pasea tranquilamente por la feria y dejando el suelo encharcado y resbaladizo. Y todo porque a Junior no le han dejado montar por ser demasiado bajito. No se juega con un demonio.

Daniel el travieso (1993). Otro niño travieso. Bueno, EL niño travieso por definición. Aunque en este caso hablamos de un chico muy pequeño y bastante inocente. Mason Gamble, el actor que interpreta a Daniel -Dennis en la versión original- Mitchell, tenía sólo 6 años cuando se rodó esta película. ¿Se puede ser malo a esta tierna edad? Lo cierto es que estamos ante otro ejemplo de niño inocente que la lía sin quererlo. En realidad, los gags del filme giran en torno a cómo la lía Daniel y cómo siempre intenta arreglar sus desperfectos, liándola aún más. Se juega mucho con la inocencia del crío que se piensa que está haciendo lo correcto, cuando en realidad está metiendo la pata hasta el fondo. El núcleo argumental de la película es la relación de Daniel con su vecino George Wilson (“¡señor Wilsoooooooooon!”), interpretado por Walter Matthau. Wilson es un ser bastante despreciable por quien Daniel siente un profundo e inexplicable amor. Un amor muy “de niño”, por decirlo de alguna manera. Supongo que le hace gracia el viejo cascarrabias, pero el sentimiento no es mútuo, ya que Wilson básicamente odia a todo ser humano, pero muy especialmente al pobre crío. Daniel es el niño malo más inocente del mundo… ¿no se da cuenta de que Wilson no quiere su compañía? Aún así, paradójicamente, la criatura le hace pagar -sin querer- su desprecio montándole trampas de todo tipo, dolorosas y humillantes.

El buen hijo (1993). O “Macaulay Culkin parte 2”. Aquí abandonamos momentáneamente los niños traviesos para pasar a hablar de un niño simplemente enfermo. Primero de todo diré que esta película es un montón de estiércol cuyo único interés reside en presenciar el duelo interpretativo entre un niño actor que ha triunfado (Elijah Wood) contra otro que no ha llegado a nada (Culkin). A parte de esto, nada interesante. La historia es absurda: Wood -sí, paso de poner los nombres de los personajes, a tomar por culo-, un niño que ha perdido recientemente a su madre, va a vivir a casa de sus tíos y se hace amigo de su primo Culkin, que resulta ser un hijo de puta psicópata que pretende matarlo y putearlo de muchas maneras. Para ser justo, diré que el personaje tiene un cierto interés, en el sentido de que juega el doble papel de niño bueno ante sus padres y demonio ante su primo, a quien encima hace parecer culpable, a ojos de sus progenitores, de todo lo que ocurre. Los padres, por cierto, son muy tontos, ya que realmente necesitan muchas pruebas evidentes de que su hijo es un tarado para darse cuenta de ello.

El peque se va de marcha (1994). Ésta película plantea una interesante cuestión: ¿se puede ser malo con tan solo 2 años de edad? Bien, podría decirse que el protagonista de este filme, Baby Bink, lo es, por mucho que vista pañales, gatee, no sepa pronunciar ni una sola palabra y tenga un nombre tan ridículo e irritante. El muy cabroncete es capaz de desesperar y humillar a dos tipos duros de la talla de Joe Mantegna (la voz de Tony el Gordo en Los Simpsons y el malísimo Joey Zasa, que en El Padrino III está a punto de asesinar a Michael Corleone cuando planea un tiroteo monumental desde un helicóptero en Atlantic City) y Joe Pantoliano (Ralph Cifaretto en Los Soprano, un mafioso psicópata interesado en las prácticas sexuales masoquistas y que era capaz de asesinar a una prostituta con sus manos desnudas simplemente por pura diversión). El caso es que estos tipos (en realidad son 3, Eddie, Norby y Veeko), raptan al ricachón Baby Bink en el día en que va a ser portada de los periódicos -sólo por su cara bonita y porque su madre caga lingotes de oro. La idea de los tipos no es mala: se hacen pasar por los fotógrafos, se llevan al bebé y lo cuidan hasta que reciben la suculenta recompensa. El problema es que tienen que cambiar pañales y asegurarse de que Baby Bink no sufra ningún daño. Incluso hay un momento en que intentan que la criatura se divierta: cuando Veeko y Norby se empiezan a dar de ostias mutuamente el bebé se descojona. Todo parece ir bien al principio, pero Bink… bien, no sé si es un niño malo o no, pero está claro que le van las emociones fuertes, porque se escapa e inicia un interesante tour por la ciudad de Nueva York: el zoológico, el parque, las obras en vertiginosos rascacielos… El crío sólo se mete en lugares que contienen peligros gravísimos, pero que él supera con una facilidad pasmosa… mientras que sus perseguidores sufren de formas diversas y dolorosas. Tenemos aquí un ejemplo de “niño malo-inocente”, como veíamos en Daniel el travieso, pero llevado al extremo. Siempre me ha resultado curiosa la escena en que el niño se mete en la jaula de un gorila gigante. El animal no parece inmutarse ante su presencia, más bien lo ve como un compañero, y lo cuida como si fuese uno de su especie. Ahora bien, a los ladrones les da hasta en el carnet de identidad. Una de las mejores escenas de la película es la del parque. El mensaje es claro: nunca mezcles niños, fuego y genitales.

South Park (1999). Poco voy a decir de ésta, porque todo el mundo la ha visto. Es curioso, tenía 12 años cuando se estrenó esta película -igual ya 13 cuando llegó a nuestras salas-, pero la fui a ver al cine, y la gran mayoría de mis amigos y compañeros hicieron lo mismo. Y eso que el filme incluía palabrotas, sexo y violencia… Vulgaridad pura y dura durante todo su metraje. No soy un gran experto de la serie de televisión, de la cual no he visto más que unos 15 capítulos, pero tengo entendido que la película es un gran acierto y una prueba palpable de que algo que es bueno en 25 minutos también lo puede ser en 81 (Los Simpsons lo confirmaron más recientemente, aunque la película de South Park es mejor, en mi opinión). Esta es una película que consigue ser muy divertida a base de chistes guarros y humor muy negro y de mal gusto. Además, sus protagonistas son niños, sin duda los más malos del mundo… No hace falta que justifique su inclusión en la lista, ¿no? Provocar una guerra entre los Estados Unidos y Canadá es su fechoría principal, pero sólo uno más entre los muchos pecados por los cuales arderán eternamente en el infierno.

El verano de Kikujiro (1999). Ésta es una “rareza” del director, humorista, actor, artista, bailador de claqué, presentador y showman japonés Takeshi Kitano. Es una película de su línea más reflexiva y extraña. No puedo hacer un análisis profundo porque la vi hace tiempo y no la recuerdo mucho. Sólo diré que su argumento es de lo más retorcido. Resulta que Masao es un niño que vive con su abuela y nunca ha conocido a sus padres. Un día, durante las vacaciones de verano, encuentra en su casa una foto de su madre con una dirección apuntada. Total, que coge y se va a buscarla. Pero no, no, claro, cómo va a ir un niño de 8 o 9 años solo a cruzar medio Japón a pie. Se ve que la abuela tiene un amigo llamado Kikujiro, que acepta a acompañarlo. Kikujiro -interpretado por el propio Kitano- es un ex-yakuza violento y gandul. Realmente el “malo” es él, más que el pobre Masao. Incluso podríamos decir que se trata de un “niño malo”, porque no deja de ser un niño grande. Pero lo de Masao también tiene tela… se fía de Kikujiro, acepta que sea su acompañante y se une a sus maldades. Y bueno, al final se acaban haciendo muy amigos. Realmente es una película recomendable; es divertida y al final acaba resultando bastante emotiva.

El sexto sentido (1999). Haley Joel Osment fue el niño más famoso de 1999. Su actuación en esta película le valió una nominación a los Oscar. Antes había sido el hijo homónimo de Forrest Gump, y después participó en la asquerosilla Cadena de favores y en Inteligencia Artificial. Realmente era una gran promesa a principios de siglo XXI. Se decía de él que era inteligente y robaplanos, que actuaba mejor que las grandes estrellas con las que trabajaba. Pero la vida en Hollywood no es tan fácil como parece, y la carrera del muchacho acabó en el olvido, antes incluso de llegar a cosechar la fama de Macaulay Culkin. En 2007, Osment fue detenido por conducir borracho, hecho que confirmó su decadencia como actor y como persona. Pienso que es justo incluir esta película en la lista por el propio actor -que parecía el eterno niño bueno y resultó estar lejos de serlo- y por su personaje, el famoso niño que veía muertos. Siempre me ha hecho pensar la premisa de este filme… Resulta que el crío tiene el poder de ver a los muertos, y que éstos lo saben y acuden a él para que los ayude en algo que han dejado pendiente en la tierra, como transmitir un mensaje a algún ser querido, o alguna gilipollez similar. Entonces, yo me pregunto… ¿por qué coño se dedican a cagarlo de miedo durante toda la película? ¿No quieren su ayuda, precisamente? Yo digo, personalmente, que si se me aparecieran cuerpos ahorcados en el pasillo del instituto o el cadáver de una mujer en bata y las muñecas cortadas gritándome en medio de la noche, no sólo me negaría a proporcionarles algún tipo de ayuda, sino que además los enviaría a tomar por culo.

Star Wars: Episodio I – La Amenaza Fantasma (1999). Vamos ahora con otro niño célebre, en este caso por ser el más odiado del año. De acuerdo, Jar Jar Binks era el personaje más detestado de la película (y de la saga de Star Wars entera), pero yo creo que Anakin niño lo siguió de cerca -y sin duda Anakin joven también pasaría a ocupar un lugar destacado en el ránking de los denostados. ¿Por qué gusta tan poco este personaje? Yo creo que por varias razones. Una, porque Jake Lloyd era un actor bastante pésimo. Ya lo había demostrado en Un padre en apuros -donde hacía de hijo de Schwarzenegger- y, por suerte, no tuvo la ocasión de demostrarlo mucho más, porque el de Anakin fue el último papel que interpretó. Otra razón de peso es la forma en que se dibuja el personaje en el filme. A ver, es que estamos hablando de Darth Vader, el malo más famoso de la historia. ¿Y qué es lo que nos dan? Un niño con cara de huevo y peinado de casquete que sólo sabe decir estupideces y abrazar a su madre. Era un cagón considerable, y su masculinidad se ponía en duda desde el primer fotograma. Vale, para ser justos, tengo que reconocer que este planteamiento no me desagrada del todo. Supongo que George Lucas decidió “impactarnos” con una figura totalmente inocente y angelical del que sería un temible villano, con tal de profundizar en el tema de la “evolución”, y tal. Anakin niño hizo que todos pensáramos: “mira, incluso Darth Vader, el cabrón más considerable de la galaxia, tuvo un pasado en que se chupaba el pulgar y llevaba pañales”.

The Royal Tenenbaums (2001). Entramos en el siglo XXI de la mano de una de las mejores películas de Wes Anderson (aunque en realidad todos sus filmes pueden considerarse “entre los mejores”). Como todas las de su director, se trata de una divertida observación de las relaciones humanas entre individuos de carácteres dispares y conflictivos. Los personajes de Anderson a menudo exteriorizan excentricidades muy visibles y remarcables, pero en realidad es mucho más extenso e importante su mundo interior. Me gustan sus filmes porque presentan siempre esta doble vertiente entre lo más visible -a menudo se juega mucho con la estética y el vestuario de los personajes- y lo más sutil -los sentimientos, el carácter. Digamos que las situaciones cómicas y los diálogos absurdos van dibujando la personalidad de los personajes, y a medida que avanza el metraje se va haciendo cada vez más clara su forma de ser, sus intereses, su evolución -si es que la hay. The Royal Tenenbaums gira en torno a la familia del rico e irresponsable Royal Tenenbaum, cuyo desprecio por su mujer y sus tres hijos, todos ellos genios en diversas prácticas, lo lleva a distanciarse irremediablemente de ellos. Hasta que un día, cuando está ya mayor y los hijos están crecidos y son independientes, Royal decide simular que tiene un cáncer terminal para volver a ganarse el afecto de todos. Hay varios niños en el filme, y por eso lo incluyo en esta lista. Primero, aparecen los hijos de Royal cuando son pequeños. Ellos son Chas, Margot y Richie Tenenbaum. Todos tienen sus rarezas, pero Margot -interpretada por Gwyneth Paltrow- se lleva el título de niña mala, por varias razones. Para empezar, es adoptada, algo que su padre no deja de aclarar cada vez que la presenta en sociedad: “…y ésta es mi hija adoptiva Margot”. A ella, la verdad, esto no parece importarle mucho. Aunque de alguna manera los espectadores sabemos que sí le afecta. En un momento de su preadolescencia, Margot decide escaparse y salir en busca de su familia verdadera. Los encuentra, y descubre que son una pobre y numerosa familia rural de paletos, “basura blanca”. En el poco tiempo que Margot está con ellos, la pobre chica se corta un dedo talando leña. Ésta es otra extentricidad del personaje, tener un dedo de la mano ortopédico. El gran talento de Margot es escribir obras de teatro e interpretarlas junto a sus hermanos. En una escena, Royal critica una de las obras diciendo que es estúpido que sus protagonistas sean animales. Margot parece ser la más independiente y la más ignorada por todos, especialmente por su padre. Pero hay alguien que no sólo no la ignora, sino que está obsesionado con ella: su hermano Richie, que está secretamente enamorado de Margot, algo que exterioriza pintando decenas de retratos de la niña. Pero Margot, que de alguna forma también siente cierta predilección por su hermano, no parece corresponderle como él querría. De hecho, en su adolescencia, la chica inicia una fase de exploración sexual salvaje que la lleva los brazos de personajes de lo más variopintos. Margot se acaba casando, lo cual lleva al pobre Richie a abandonar su exitosa carrera como tenista, pero a la vez acaba desquiciando a su marido (Bill Murray), ya que en realidad no le quiere -y, la verdad, da bastantes muestras de ello. En fin, Margot es un personaje misterioso y algo retorcido, una niña mala que merece un puesto en esta lista. Los de la imagen son los gemelos Ari y Uzi Tenenbaum, hijos de Chas Tenenbaum (Ben Stiller). He puesto esa fotografía porque son divertidos, y son un ejemplo de lo que decía antes sobre las peculiaridades estéticas que incorpora Wes Anderson en sus personajes. En este caso, reflejan las neuras de su padre, que desde que su mujer murió está obsesionado con la seguridad y la protección de los niños, haciendo incluso que vistan de uniforme -igual que él mismo. Pero un día entra en su vida Royal Tenenbaum, y los “pervierte” llevándoselos por la ciudad e incitándoles a hacer travesuras varias (en la imagen, están los tres subidos a un camión de la basura).

Samaritan Girl (2004). Acabo la tercera parte de Niños Malos haciendo mención a esta película del director coreano Kim Ki-Duk. El filme cuenta la historia extraña de dos adolescentes que se prostituyen para conseguir dinero para viajar a Europa. Yeo-Jing arregla los encuentros, guarda el dinero y vigila que no haya moros en la costa durante las citas, mientras que Jae-Young se limita al ñaca-ñaca. Pero ocurre que con el paso del tiempo Jae-Young se va haciendo amiga de sus clientes, llegándose a enamorar de uno de ellos. Yeo-Jing se pone celosa, pues ve que su amiga se está distanciando de ella y considera que los hombres con los que se acuesta son tipos repugnantes y degenerados. Un día, Jae-Young es sorprendida por la policía mientras está con un cliente, y decide saltar por una ventana para escapar. El impacto es demasiado fuerte, y la chica muere. A partir de entonces, Yeo-Jing decide comprender a su fallecida amiga poniéndose en su piel: se dedica a acostarse con cada uno de los clientes que había tenido Jae-Young y, además, les devuelve su dinero. En definitiva, una pintoresca historia de redención interior con niñas malas como protagonistas.

Fin de NIÑOS MALOS parte 3

Killer.

Millenium 2 en el cine: Una historia de puteros sin putas

2009-12-07T02:14:00.000-08:00

¡Ojo! Que nadie se ofenda por el título de esta entrada. La redacto con la misma frialdad con que se tratan estos temas en la adaptación cinematográfica de la segunda parte de la saga Millenium. Segundas partes nunca fueron buenas, dicen por ahí. El entusiasmo del público por la historia relatada en el segundo tomo de Millenium me parece a mí que se ha desvanecido al ver los primeros minutos de la película. Se intentan contar muchas historias y se acaba no contando nada. Se supone que la trama gira alrededor de la prostitución y el tráfico de mujeres del Este. Y toda esta trama de explotación sexual y corrupción nos lleva hasta el padre de Lisbeth y, en consecuencia, a su tortuoso pasado.

Pero, ¿dónde están las "putas" de esos reiterados "puteros" que se mencionan durante toda la cinta? Se hace referencia a un par de nombres rusos, se pasan un par de fotogramas donde un gordo y viejo verde se deshace de ¿placer? mientras viola a una de estas jóvenes, y se da por tratado el asunto. Ahí queda eso, le dicen al espectador. Ni siquiera la historia de Lisbeth se da por bien contada. Sí, sabemos que sufría malos tratos. Su madre también. Y sabemos que tenía un tutor muy cabrón. Y resulta que el padre era de la misma calaña. Pero nada más. En la película no se trabaja el personaje. Y los últimos 10 minutos de la cinta: un chiste. Una sucesión de acontecimientos ricos en sustancia psíquica y social que se desperdician sin más.

Esta vez Lisbeth no hace justicia. Pero no es su culpa.

Googleable

2009-12-07T01:51:00.000-08:00

Ya adelantábamos hace unos días el tema que nos congrega una vez más aquí, a propósito de la saga Millenium y Stieg Larsson. Hoy concretaremos en el tema; la tesis gira alrededor de un presupuesto de Larsson sobre el avance del poder del estado sobre el derecho a la intimidad personal de forma inaudita hasta ahora en defensa precisamente de esa intimidad personal atacada incluso por el propio estado, para defender a las víctimas de las mafias y asesinos, maltratadores y explotadores, haciendo necesario pues una información que salte los límites de la ley.

Así puestos, ¿quién va a gestionar esa información? ¿Quién va a defender al ciudadano de este nuevo avance de espionaje en su intimidad, precisamente en defensa de sus derechos y de los más débiles frente a los poderosos?

¿Qué propone Larsson, una nueva política, una nueva moral, una policía o un nuevo periodismo, o todo lo demás?

Creo que antes de buscar un nombre bonito para un supraorganismo que pudiese encargarse de la gestión de esos datos e informaciones, prefiero comentar mi visión acerca de esta paradoja moral y ética que se nos presenta cuando hablamos de "espionaje" a la "intimidad". Cabría destacar estos dos términos: por una parte, espionaje, y por otra intimidad.

¿Sería espionaje introducir el nombre de X persona en un buscador para intentar conseguir datos como su número de teléfono, cuenta de correo, dirección, etcétera? Hoy en día con las redes sociales, las distancias entre las personas se hacen cada vez menores (o no, esto sería asunto de otra entrada). Yo sin ir muy lejos, el otro día a través del Facebook, tecleé el nombre de algunos compañeros de trabajo, sólo para "curiosear". Ahora, haciendo una búsqueda rápida me encuentro con esto, y seguro que hay mil más. No se refiere exactamente a las búsquedas que se plantean en Millenium, pero esta es la semilla del experimento propuesto por Larsson según esta teoría explicada anteriormente.

El otro concepto que tenemos que aclarar es el de la intimidad: a efectos jurídicos cabe destacar entre intimidad y privacidad, sobre todo cuando tratamos de personajes públicos. Si tuviésemos un conjunto de 3 círculos, uno dentro de otro, la privacidad vendría a ser el del medio, justo entre el ámbito público, que sería el primero y más amplio, y el de la intimidad, que sería el último y más resguardado. La privacidad afectaría a todas aquellas cosas que deseamos no sean del conocimiento público, y ustedes dirán que viene a ser lo mismo que la intimidad, pero en este caso no sólo son cosas que queremos resguardar de las miradas externas, sino que afectan también a la moral y a la dignidad de la persona.

Espionaje ha habido y habrá siempre. O investigación. O seguimiento. O como quieran llamarle. La cuestión es que ahora ese supuesto "espionaje" puede estar al alcance de muchas más personas, de aquellas que dispongan de un ordenador con conexión a Internet, sin ir más lejos. Y el usuario medio de la red no suele tomar las medidas de seguridad necesarias para proteger su intimidad.

La imagen es del genial Montt.

Intimidad

2009-11-23T12:43:00.001-08:00

Haré un avance informativo de la próxima entrada en el blog, puesto que la gripe -aun sin identificar- me tiene en cama y con muy pocas fuerzas para teclear un documento mínimamente aceptable.

Según las tesis que se apuntaban en el seminario de Stieg Larsson y su serie Millenium, el autor a través de su trilogía propone un avance del poder del estado sobre el derecho a la intimidad personal. Espionaje, vamos.

En Barcelona ya tenemos videocámaras instaladas en el casco antiguo para "supuestamente" garantizar la seguridad de los vecinos y reducir las fechorías de algunos. Por otra parte, se está estudiando un sistema mediante el cual tendríamos acceso vía internet a nuestro historial médico. Y yo me pregunto: si ya nos pueden robar nuestra cuenta de correo electrónico tan fácilmente, ¿no nos pueden robar también nuestro archivo médico? ¿Qué garantías de seguridad tenemos frente a estos sistemas? ¿Lo sabremos todo de todos? Cierto es que esta forma de "espionaje", igual que las escuchas de Sitel, nos pueden sacar de más de un embrollo, pero cuando la balanza se pone en nuestra contra y somos nosotros los "vigilados", ¿nos sentimos igualmente seguros, protegidos?

Niños malos II

2009-11-18T13:56:00.001-08:00

Pedro y el dragón Elliot (1977). Abrimos la segunda parte de la lista con otra película de Disney. Ésta sí que es más puramente infantil y no es ni por asomo tan conocida como Mary Poppins. Poco puedo decir de ella porque apenas la recuerdo, aunque sin duda ocupaba un lugar destacado entre las cintas de VHS de mi infancia. Con el paso de los años, lo que ha quedado en mi recuerdo es la historia de un niño que se hace amigo de un dragón medio retrasado (como bien muestra la imagen) que sólo puede ver él. Lo más terrorífico del filme, la estética hillbily playera, números musicales horteras y abundantes dosis de azúcar y sensiblería.

Alicia en la España de las Maravillas (1979). De esta película tampoco recuerdo casi nada. La vi un viernes por la noche en BTV hace años, cuando seguramente no tenía edad para ello. Realmente es una versión escabrosa y grotesca de Alicia en el País de las Maravillas (qué coño, es Española, y todo el mundo sabe que cine español igual a tetas), pero ¿realmente son necesarias versiones más raras de la obra de Carroll? ¿No es suficientemente extraña la historia original? Bueno, pues éste es un producto “rompedor”, de destape y de denuncia de un régimen que todavía se estaba dejando atrás. Poco puedo añadir. Es el viaje de una joven por la España franquista. Algunas escenas reflejan los horrores de la dictadura (me acuerdo especialmente de una parte dedicada a las torturas en un cuartel de la Guardia Civil); otras son básicamente composiciones eróticas medio experimentales, si no recuerdo mal. Se pierde, pues, el carácter latente de la sexualidad del personaje para sacarla a relucir de forma bastante explícita.

Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón (1980). Seguimos la lista con otro filme español de la misma época. O sea, ¡más tetas! Es la primera película que dirigió Almodóvar, y le sirvió al cineasta para inaugurar los rasgos que conformarían su primer estilo, el de las comedias kitsch disparatadas, con toques absurdos, destape, personajes alocados que viven al límite y muchas referencias a la (homo)sexualidad. Los ejemplos son abundantes: Laberinto de pasiones, Entre tinieblas, ¿Qué he hecho yo para merecer esto?… Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón es un retrato del Madrid más punk y underground de finales de los 70. Cuenta la historia de tres amigas que viven para la fiesta, el sexo y la liberación de los roles machistas aún muy presentes en la sociedad. La verdadera chica mala de la película es Bom, interpretada por Olvido Gara antes de ser Alaska, cuando apenas tenía 16 años y todavía no había triunfado con los Pegamoides. Y qué mejor manera de darse a conocer que interpretando a una adolescente masoquista y lesbiana… Su escena más célebre es aquella en la que se está meando y su amiga Luci le pide que lo haga encima de ella. Dicho y hecho: Luci disfruta de una lluvia dorada directamente proyectada por Bom encima de su cabeza y su rostro. Otra parte famosa de la película es la de las Erecciones Generales. De hecho, tengo entendido que en un principio éste iba a ser el nombre del filme; aunque también sé que esta escena ya existía antes de que empezara el rodaje de la película, era un corto independiente a ella, y al final se acabó añadiendo como una parte más del filme. La escena arranca en una fiesta nocturna al aire libre. En ella, se organiza un concurso de falos. Unos 10 candidatos se ponen en fila con el miembro fuera y alguien se dedica a medir su longitud y su grosor. El que la tenga más grande tendrá derecho a coger a la persona que quiera entre los asistentes -de su sexo o del sexo contrario- y hacer con ella lo que quiera.

Poltergeist (1982). Cambio total de registro. Sí, se hace raro pasar de hablar de pollas a Poltergeist, un clásico del cine de terror coproducido y coescrito por Steven Spielberg. Es la magia del cine. Hablo de la niña de Poltergeist porque es lo más conocido de la película. En este filme hay escenas bastante chocantes, que incluyen un árbol traga-niños, un tipo que se arranca la piel de la cara con sus propias manos y siniestras calaveras humanas -que por lo visto son reales, pues salía más económico pedirlas prestadas a un laboratorio que recrearlas artificialmente. Aún así, lo que más miedo me dio de toda la película fue la niña. Y no es que sea realmente mala; en realidad es un claro ejemplo de lo que ya vimos en Encuentros en la tercera fase. “Ya están aquíiii…”, exclama la cría ante el desconcierto de su madre cuando la tele se vuelve loca. La pequeña parece disfrutar del terror, lejos de temerlo. Su actitud ante los fantasmas es impasible y misteriosa, más impactante por sí misma que los espíritus siniestros creados por ordenador. Cuando la madre se comunica con ella a través de la televisión, con todo el equipo de “cazafantasmas” en el salón, la voz de ultratumba de la pequeña es escalofriante. No hay duda de que la niña, aún estando ausente en gran parte del metraje, es la verdadera protagonista de la película. A su lado, su hermano mayor es un ser lamentable. Un niño que sólo sabe llorar y gritar, un gallina que tiene miedo de un árbol y de un estúpido muñeco con forma de payaso (ambos acaban intentando matarlo, pero eso él no lo sabe al principio). En cambio su hermana sí que tiene agallas. Se planta ante lo paranormal y lo afronta casi con normalidad. Si tiene miedo, no lo demuestra. Eso sí que es actitud. Heather O’Rourke, la actriz que encarnó al personaje en Poltergeist y sus dos secuelas, murió a los pocos meses de rodar Poltergeist III (1988), con 12 años de edad, debido a un paro cardíaco causado por una obstrucción intestinal. Al final la niña se quedó con los fantasmas.

Los chicos del maíz (1984). Seguimos con otra película de terror. Ésta, al igual que Carrie, se basa en una novela de Stephen King. La diferencia: es bastante mala y estúpida. Cuenta la historia de una pareja joven que, en su camino en coche a Seattle, tropieza con un pueblucho dominado únicamente por niños que, guiados por el profeta Isaac y su matón personal Malachai, se han hecho adeptos a una religión que les ordena asesinar a todas las personas adultas y ofrecerse como sacrificios humanos en la noche de su decimonoveno cumpleaños. ¿Suena a gilipollez? Pues sí, lo es. Bueno, para ser justo, diré que el filme tiene alguna escena más o menos buena. Pero en conjunto, la cosa es bastante absurda. Por ejemplo: se supone que los críos han matado a todos los adultos del pueblo. Pero luego llega un forastero y, él solo, sin la ayuda de nadie, es capaz de acabar con el régimen opresivo de Malachai y ganarse el favor de casi todos los niños. La verdad es que tiene partes que dan más risa de miedo, por no hablar del personaje de Malachai, probablemente uno de los villanos más feos de la historia del cine.

Indiana Jones y el Templo Maldito (1984). Esta película incorporó a la franquicia un aire más infantil y a la vez surrealista a lo que se había visto en el primer filme. El humor infantiloide llegó de la mano de la nueva novia de Indie, Willie -sí, una mujer con nombre de ballena o de pandillero puertorriqueño- y de Tapón (Short Round en inglés), un niño asiático que al principio de la película es adoptado por Indie en lo que supongo que representa un arrebato de masoquismo del carismático héroe. Willie y Tapón se encuentran durante toda la película desempeñando un igualado pulso para convertirse en el personaje más irritante de toda la trilogía. En mi opinión, gana el niño. Insolente y pesado, no sabe ni hablar correctamente y se pasa el rato con risitas y bromas estúpidas. ¿Quién no hundiría la mano en su pecho y le arrancaría el corazón?

Regreso al futuro I (1985), II (1989) y III (1990). Marty McFly no podía faltar en esta lista. Siempre me ha parecido un personaje muy curioso por el hecho de que, de alguna forma, me da la sensación de que Michael J. Fox se estaba interpretando a sí mismo. El actor tenía 24 años cuando se rodó la primera parte de la trilogía, unos cuantos más de los que se supone que tiene el personaje. Marty McFly es el adolescente más adolescente -y americano- que ha existido nunca sobre la capa de la tierra. Va detrás de las chicas -bueno, de su novia-, es moderno -en el sentido más ochentero de la palabra-, es gamberro, se escapule de la ira de profesores y abusones, y sus mayores aficiones son el monopatín y la guitarra eléctrica -sin duda Eddie Van Halen es uno de sus héroes. Michael J. Fox borda el papel, pero va más allá. Realmente parece un adolescente, tiene cara de niño y una característica expresión entre infantil y avispada. Siempre me he imaginado al actor acabando de grabar las escenas del día y saliendo del plató con su monopatín y su walkman rebosante de rock duro. Dudo mucho que así fuera en realidad, pero es algo que vería totalmente plausible. Sobre la película, poco puedo decir que no se haya dicho o analizado ya tropecientas veces. Sólo apuntaré que McFly no es un niño malo en el sentido de que no alberga verdadera maldad en su interior. Pero no deja de ser un niño, y los niños la lían, siempre la lían, y McFly la lía pero bien liada… Junta a un niño con un científico loco (el Dr. Emmett Brown) que ha diseñado una máquina del tiempo con un coche viejo -el famoso Delorean, su primer invento que funciona de verdad. El resultado: la mayor jodienda espacio-temporal de la historia del cine. En la primera película, McFly viaja a 1955 y seduce a su propia madre, casi consiguiendo que nunca llegue a conocer a su padre y, por tanto, que nunca se produzca su nacimiento. En la segunda, las cosas empiezan a complicarse de verdad. Marty McFly y Doc Brown viajan al futuro para impedir que el hijo del primero se vuelva gilipollas y acabe en la cárcel. Lo consiguen, pero entonces el viejo Biff Tannen -jefe del padre Marty y villano memorable- roba la máquina del tiempo, vuelve a 1955 y le da a su versión joven un almanaque -libro- que contiene las estadísticas deportivas de los próximos 50 años. Con esto, consigue que en el presente Biff, forrado gracias a las apuestas deportivas, sea esposo de la madre de Marty y dueño del barrio, ahora sombrío y peligroso. Para cambiar eso, Marty y Doc Brown tendrán que volver a 1955 para impedir que Biff se dé el almanaque a sí mismo, encontrándose y compartiendo escenario con ellos mismos, los ellos de la primera película. En definitiva, una idea retorcida y complicada, pero realizada con una gracia y un talento dignos de una obra maestra. No hablaré sobre la tercera parte porque ya va por otros derroteros algo diferentes. Simplemente vedla si nunca lo habéis hecho, porque es cojonuda.

Fievel y el nuevo mundo (1986) / Fievel va al oeste (1991). Aquí voy a hablar de un ratón. Puede parecer que hago trampas, pero que conste que el protagonista de estas películas es un niño, por mucha cola y orejas de roedor que tenga. Fievel y el nuevo mundo fue dirigida por el célebre animador Don Bluth, responsable, entre otros filmes, de En busca del Valle Encantado y Anastasia. El argumento de ambas es básicamente el mismo: un niño se pierde. La familia Mousekewitz, rusos que viven en condiciones precarias, decide emigrar a los Estados Unidos. Allí, el pequeño Fievel se separa accidentalmente de su familia y vive diversas aventuras en la gran ciudad mientras busca desesperadamente a sus padres. En Fievel va al oeste -que ya no dirigió Don Bluth, pero conservó los mismos personajes- pasa algo similar: un gato malvado engaña a un numeroso grupo de ratones obreros para emigrar al oeste, prometiéndoles que ahí podrán encontrar la prosperidad. Cuando llegan, el gato esclaviza a los ratones, pero Fievel escapa y, bueno, más de lo mismo. Estas películas me gustaban mucho cuando era pequeño, pero realmente en ocasiones me ponían de los nervios. La razón es que contienen escenas en que Fievel está muy cerca de sus padres, pero aún así no se encuentran, se cruzan sin verse, pasan de largo, se van en direcciones contrarias… El caso más exagerado se da cuando, en Fievel va al oeste, el niño se encuentra a su padre en el desierto, pero tanto él como su progenitor pasan de largo pensando que se trata de un espejismo.

Big (1988). O “El niño que quería crecer”. Tom Hanks, en su famoso papel del anti-Peter Pan Josh Baskin, tenía que ocupar un lugar en la lista. Todo el mundo conoce la película, así que seré breve. Símplemente quiero comentar que me parece curioso el doble filo argumental que adquiere el filme. Por una parte, Josh se da cuenta de lo difícil y retorcido que resulta un mundo de los adultos donde la rivalidad está al orden del día. Pero al mismo tiempo, Josh triunfa dentro de una empresa liderada por personas maduras y serias. Supongo que el mensaje viene a ser: para convertirse en un adulto hay que crecer primero y adquirir experiencia, pero una vez se es adulto no se debe perder la inocencia propia de los niños, pues con ella también uno será capaz de triunfar en la vida. Fijáos un momento en la imagen. Todos sabemos que es la foto de un adulto; de hecho Tom Hanks tenía 32 años cuando se rodó esta película. Pero hay algo en su mirada y la expresión de su cara que nos hace pensar realmente que se trata de un niño. Igual es algo personal, y no es que Tom Hanks sea uno de mis actores favoritos, pero yo aquí me lo creo, igual que me lo creo en Forrest Gump.

Solo en casa (1990) / Solo en casa 2: Perdido en Nueva cork (1992). Acabamos la segunda parte de la lista con un gran cliché: Macaulay Culkin, el niño actor por excelencia, en su papel de Kevin McCallister. Creedme, no he tenido que tirar de Wikipedia para poner el nombre del personaje porque lo recuerdo perfectamente, y no sé si debería estar orgulloso de ello. Bueno, ésta película forma parte de la infancia de mucha gente de mi generación. Aunque tuviéramos sólo tres años cuando se estrenó, el VHS y sus innumerables proyecciones televisivas -navideñas en su mayoría- consiguieron introducir esta película y su secuela en nuestra conciencia colectiva. Kevin es el típico niño gamberro a lo Bart Simpson que se puso tan de moda en los 90. Aunque la verdad es que cuando éramos críos todos queríamos ser Bart Simpson, pero nadie quería ser Kevin McCallister. La razón: era un cagón monumental. Lloraba porque no sabía hacerse la maleta, se meaba en la cama y tenía pánico de unos inocentes vagabundos -tanto en la primera como en la segunda parte-, que ocasionaron el famoso grito marca de la casa, probablemente lo más recordado de toda la saga (la imagen de la carátula da fe de ello, pero la cosa fue más allá… por ejemplo, cuando hicieron que incluso la propia Estatua de la Libertad -¡!- hiciera el famoso gesto). Pero pese a todo no podemos negar que Kevin era un niño malo. Recuerdo que siempre me hacía gracia ver como la liaba al principio de la película, poniéndose a toda la -extensta- familia en contra. Como cuando su coral daba un recital navideño, y cuando llegaba el momento de su solo vocal el hermano mayor se reía de él haciendo gestos por encima de su cabeza. Kevin le pegaba una ostia y hacía que todos los niños cantores se derrumbaran en un efecto dominó que acababa afectando también al público. Aunque, seamos sinceros, todos los niños mirábamos estas películas con el único propósito de llegar a la parte de las trampas, al final, cuando Kevin hacía perder los estribos a un malote de la talla de Joe Pesci. Y además, en el mismo año en que se estrenaba Uno de los nuestros. Vivir para ver.

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Fin de NIÑOS MALOS parte 2

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Killer.

Una "Pippi" muy moderna

2009-11-15T04:02:00.001-08:00

"Resultados 1 - 10 de aproximadamente 465.000 de lisbeth salander". Fuente: Google.

Esta chica arrasa. Muy menudita, muy underground, muy reservada con los demás. Quién diría que esta chica que apenas mueve los labios para hablar o siquiera hacer una mueca conforme entiende lo que sucede a su alrededor, tendría tanto éxito. Temo que este éxtasis de fama y popularidad se desvanezca con el tiempo, pues Lisbeth ha llegado en el momento y el lugar oportuno: siglo XXI, auge de la violencia.

Solitaria, "abandonada" a la suerte, depende de sus tutores. Rehuye de la compañía de otros, vive inmersa en su mundo de ordenadores, chips, claves secretas... El parecido con la eterna Pippi Calzaslargas se ha convertido ya en tema de tesis. Pero aquí cada uno como si de Dios se tratara, se hace su Lisbeth a su imagen y semejanza. Un ejemplo: la Salander de Nazario.

No mires atrás, pequeña

Atuendo negro de cuero, piercings, tatuajes, una actitud y pose muy andrógena, moto para los traslados; a este cúmulo de elementos además hay que añadirle una buena dosis de desconfianza, rencores, temores e incongruencias. El amor no es una palabra que entre mucho en su vocabulario ni en su filosofía de vida: esporádicos y desenfrenados encuentros con personas de ambos sexos; aunque poco a poco nos sorprenda con ese brote de "sensibilidad".

Sin duda su pasado es algo que le intriga a ella, a Blokmvist y a nosotros. Pero no sé en qué medida nos interesa más o menos que su porvenir. ¿Acabará nuestra moderna "Pippi" adaptándose a esa sociedad que tanto le da la espalda? ¿Cambiará ella esta realidad? ¿O se retirará a un oscuro y frío recoveco para olvidar lo que ha sufrido y ha visto sufrir?

En próximas entregas desvelaremos más detalles de Lisbeth, Pippi Calzaslargas.

Niños Malos I

2009-11-10T09:59:00.000-08:00

En esta serie de posts voy a hablar de películas en las que aparecen niños malos, diabólicos, terroríficos o mentalmente perturbados. Como veréis, utilizo el término “niños malos” en un sentido muy amplio. No pretendo hacer “la lista definitiva”, simplemente pondré películas que conozco y que considero destacables, algunas muy conocidas, otras no tanto. Procuraré no enrollarme demasiado y no hacer grandes reflexiones, sino sólo breves descripciones de cada filme que mencione. En algunas ocasiones, cuando se trate de películas de las cuales puedo decir más cosas, no lo voy a conseguir. Pero, por lo general, seré breve. Voy a dividir la serie en cuatro partes, cada una con 10 películas. En total, 40 filmes. He aquí la primera parte de NIÑOS MALOS en la historia del cine.

El mago de Oz (1939). Quién mejor para inaugurar esta lista que Judy Garland en el papel que la convirtió en icono del cine, de la fantasía, de la infancia… La película incluso es icono gay, ya que por lo visto contiene una serie de símbolos sobre el significado de esta opción sexual. Dorothy (Dorita en castellano… sí, lo digo en serio) no es mala en el sentido estricto de la palabra. Pero rehúye el trabajo, es descuidada, inmadura, y vive más en su universo de fantasía (algún lugar sobre el arcoiris) que en el mundo real. Además, Toto, su perro-rata da por saco contínuamente a su anciana vecina. Pero lo más jodido de este personaje es que basta con que se dé un golpe en la cabeza para que ¡bum! la película se pinte con technicolor y empiecen a aparecer en su retorcida mente brujas, enanos danzantes y un hada madrina (¡Pequeñilandia!). Lo primero que hace Dorothy en su fantasía es matar a la Bruja del Este. Sí, la asesina, la aplasta con su casa, algo, sin duda, cruel y doloroso. Pero el Hada Buena (o Bruja Buena del Norte) le hace pagar su crimen con creces: le otorga los Chapines de Rubí (no me preguntéis a qué viene el nombre, porque no tengo ni idea), unos zapatos de cristal que anhela la Bruja Mala del Oeste, ya que se supone que, si los consigue, le darán el poder para dominar el mundo y vengar la muerte de su hermana. El hada no sólo obliga a Doris a llevar los Chapines durante toda la película, sabiendo que la bruja le hará la vida imposible a la chica por eso, sino que además la embarca en un viaje largo y peligroso hacia la ciudad de Oz, donde un mago déspota y chalado supuestamente le indicará el camino de vuelta a casa… sabiendo que la solución más rápida era SENCILLAMENTE chocar los talones de los Chapines y repetir varias veces “no hay nada como el hogar”. Menuda zorra.

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Alicia en el País de las Maravillas (1951). Avanzamos doce años y nos encontramos con otro símbolo de la infancia, eh, digamos, de la infancia más retorcida y extravagante. Ésta obra empezó a gestarse en 1862, durante un paseo por el Támesis del cual Lewis Carroll estaba gozando en compañía del reverendo Robinson Duckworth y las tres hermanas Lorina Charlotte, Alice y Edith Liddell, de trece, diez y ocho años respectivamente. Resulta que en un momento dado, a causa del horrible sol que pegaba, el grupo tuvo que resguardarse bajo la sombra de unos árboles. Fue entonces cuando Carroll contó un cuento, de forma totalmente improvisada, para entretener a las niñas. Se trataba de una serie de historias disparatadas bajo el título de Las aventuras subterráneas de Alicia. La narración entusiasmó a Alice, lo cual motivó a Carroll a recordarla y escribirla meses después. La redacción acabó en 1863, y la ilustración, llevada a cabo por el mismo Carroll, en 1864. Como todos sabemos, la obra ha tenido mucha repercusión en la cultura y el imaginario colectivo. Lo curioso es que nadie la consideraría como una pieza de literatura infantil. Además, es muy discutido el hecho de que el autor fuera pederasta, dado que pasaba mucho tiempo con niñas y las fotografiaba, en ocasiones desnudas. Aquí hago referencia a la obra de Disney porque es un clásico y porque sus imágenes son las que más fácilmente nos vienen a la mente cuando hablamos de Alicia en el país de las maravillas. Podría ocupar páginas enteras hablando de esta película, pero me limitaré a hacer una única reflexión: que un mundo de fantasía que incluye conejos trajeados, flores parlantes, gusanos porreros y cartas animadas salga de la mente de una niña inocente es algo muy jodido.

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Les 400 coups (1959). Aquí hago un cambio de registro radical, pasando de la fantasía más disparatada a la realidad más dura. Se trata de una de las obras más importantes de François Truffaut, pues fue uno de los filmes que despertó el interés del público por la Nouvelle Vague, “nueva ola” del cine francés que apostaba, entre otras cosas, por las innovaciones técnicas, los bajos costes de realización, la espontaneidad y el deseo de reflejar la condición humana aislada del mundo burgués de posguerra, incluyendo elementos de introspección y autoconocimiento personal. Les 400 coups narra la historia de Antoine Doinel, un preadolescente que se porta mal en la escuela, miente a sus padres, hace novillos, roba… Hasta que acaba internado en un centro de menores. La conducta de Antoine es ocasionada por la actitud de sus padres, que no le hacen caso, lo dejan solo durante fines de semana enteros, no lo educan correctamente y lo tienen consentido para compensar sus carencias. El mensaje es claro: los padres tienen a los hijos que se merecen.

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Mary Poppins (1964). O “Julie Andrews, parte 1”. Una de las mejores películas de Disney y probablemente una de los mejores filmes “infantiles” de la historia. El caso es que realmente no es una película para niños, por lo menos no exclusivamente. De nuevo nos encontramos con el problema de los padres ocupados que no hacen caso de sus hijos, lo cual ocasiona que éstos se porten como unos auténticos cabritos. ¿Y quién mejor para despertar el lado bueno y creativo de los niños y, a la vez, abrir los ojos de los progenitores? Pues una joven niñera que vuela en su paraguas parlante, practica la telequinesis, discute con su propio reflejo, se introduce en el interior de cuadros y emprende una batalla campal en un tejado contra el buque-edificio de un exmarino retirado y chiflado. Mi escena favorita de la película es cuando el padre, George Banks, va al banco para ser despedido y humillado por el viejísimo señor Dawes -el dueño y director de la entidad- y sus secuaces. Banks pasa del abatimiento al éxtasis, y de repente se pone a reir, gritar, cantar y explicar chistes malos, lo cual deja a sus exjefes patidifusos y provoca que al pobre sr. Dawes le de un ataque al corazón y fallezca al momento. El viejo se muere de risa y se va volando, pese a que sus hijos tratan de retenerlo. Ésa es, en mi opinión la mejor muerte de la historia del cine. Como último apunte, decir que al señor Dawes lo interpretaba Dick van Dyke, que también hacía en el filme de Bert el Deshollinador. Cuando lo descubrí, siendo un niño todavía, me quedé flipado.

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Sonrisas y lágrimas (1965). O “Julie Andrews, parte 2”. O La novicia rebelde. Sí, en latinoamérica pasaron una versión pornográfica. El caso es que esta película de Robert Wise (también conocido por West Side Story y The Haunting, entre otras) cuenta la historia real de la familia austríaca Von Trapp, compuesta por siete niños huérfanos de madre, su severo padre y su monja niñera, que acaba enrollándose con el padre y formando un coro exitoso. Aquí se muestra la maldad de unos niños a causa de la falta de amor de su padre, que los trata como soldados en un centro de reclutamiento. Ellos responden rebelándose contra sus cuidadoras, a quienes asustan con arañas de goma e incomodan colocando piñas en sus asientos. Quién iba a decir que una película tan sensiblera como ésta incluyera una escena en la cual Julie Andrews se mete una piña por el culo… Además, la hija mayor se lía con un joven nazi, aunque supongo que no podemos contar eso como acto de maldad. Poco más voy a decir de la película. Que es “ñoña”, todos lo sabemos, pero hay que recordar que contiene grandes números musicales, como el de los títeres danzantes (The Lonely Goatherd), algunas escenas realmente emotivas (el Edelweiss cantado por un público entregado y en frente de los nazis), otras ingeniosas (cuando utilizan la canción de So long, farewell para darse a la fuga), y un clímax final muy bien conseguido.

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La noche de los muertos vivientes (1968). Con ésta película, George A. Romero inició la tradición de los zombies, la más célebre dentro del cine de terror, y una de las más importantes dentro de la cultura popular en general. La incluyo en la lista porque una de sus escenas más aterradoras e impactantes la protagoniza una niña pequeña. Se trata de la hija de un matrimonio que está recluido en una casa abandonada (junto a los otros personajes del film). En un momento dado, la niña resulta infectada y acaba volviéndose contra sus padres. La imagen de la chiquilla devorando las tripas de su progenitor sin duda debió resultar muy chocante en 1968. No puedo describir las sensaciones que produce, simplemente hay que verla…

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El exorcista (1973). Vamos ahora con el gran tópico, la película que no podía faltar en esta lista. No diré mucho porque realmente no puedo aportar nada nuevo… Personalmente, la película me gustó cuando la vi hace años, pero no me dio miedo, más bien me hizo bastante gracia. Pero no hay duda de que la niña es bastante terrorífica, sólo hace falta ver su cara. No se trata de una niña mala… ella ES el mal, es el demonio. Habla latín, insulta a su madre, gira la cabeza 360 grados y se masturba con un crucifijo. ¿Se puede ser peor?

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Amarcord (1973). Ésta es una de mis películas favoritas de Fellini, y seguramente una de las más divertidas. Sus escenas recrean -entre otras cosas- el despertar sexual de un grupo de preadolescentes en cuyo entorno conviven la rígida moral cristiana y la provocación de mujeres de cascos ligeros, prostitutas y señoras de grandes pechos. No es una película machista, sino que tiene el mérito de reflejar de un modo muy preciso, original y cómico la noción que tienen unos niños del cuerpo de la mujer, un cuerpo que nunca han podido ver del todo pero que les atrae de una forma irremediable y misteriosa. La mejor escena, en mi opinión, es aquella en la que uno de los protagonistas se queda a solas con una quiosquera robusta que tiene unos pechos enormes. Al chico le gustan esos pechos, y la mujer lo sabe y se aprovecha. Primero, hace que el jovencito demuestre su masculinidad levantándola (lo cual hace con dificultades, como se muestra en la foto) y luego, en uno de los momentos más gloriosos de la historia del cine, se saca una teta y se la mete al niño en la boca, casi hasta el punto de provocar su asfixia.

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Carrie (1976). Seguimos la lista con otro clásico del terror, una película de Brian de Palma basada en una novela de Stephen King. Narra la historia de una adolescente marginada en el instituto que descubre que tiene poderes telequinéticos. Cuando es brutalmente humillada por sus compañeros, su habilidad especial sale a la luz… Moraleja: no fastidies a un niño malo. Según Wikipedia, una encuesta realizada en 2008 demostró que Carrie es una de las películas más vistas por los adolescentes en Halloween.

--La niña infernal:

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Encuentros en la tercera fase (1977). Ésta película es un claro ejemplo de la utilización del “niño inocente pero misterioso” en las películas de terror-ciencia ficción. A Spielberg le gusta este concepto, como veremos más adelante. En este caso, tenemos a un niño de tres años que una noche, ante el paso de unos OVNIs por encima de su casa, decide salir de su cama y adentrarse en el bosque siguiendo la “llamada” de las naves. Su madre sale a buscarlo, y consigue encontrarlo cuando el niño está a punto de ser atropellado. Es lo que tienen los niños de esta tipología: no se dan cuenta del grave peligro que están corriendo y actúan ajenos a él, con total normalidad. Ejemplo claro de ello es la escena en que los extraterrestres lo raptan. La criatura no se asusta y ni se inmuta al ver la desesperación de su madre; al contrario, parece divertirse con la situación e incluso invita a los marcianos a entrar a su casa. Malditos críos.

Fin de NIÑOS MALOS parte 1.

Killer

Precisión periodística

2009-11-07T04:35:00.000-08:00

Según este breve del 20Minutos, los hombres ahora abortan, por lo tanto... ¡pueden gestar! La precisión periodística cada vez da a luz más y más descubrimientos fantásticos. Supongo entonces que la nueva ley del aborto tomará en cuenta esta nueva condición del hombre. Quizás las cosas serían diferentes si los hombres fueran los que llevaran a sus retoños.

Peinetas, guerras y peleas callejeras

2009-11-01T06:57:00.000-08:00

Si hacéis una rápida búsqueda en el Google con las palabras "guerra del fútbol" os saldrán más de 8.410.000 resultados, y esto sólo en el Google España. El resultado se dispararía en las versiones en inglés. Es curioso que el primer resultado, después de la Wiki, por supuesto, sea un artículo de El País que nos informa sobre el fin de la "guerra del fútbol" entre Sogecable y Mediapro, y digo que es curioso porque en este caso el conflicto se lleva a cabo fuera del campo. Más abajo, sin embargo, La Vanguardia nos alerta de un nuevo auge de hostilidades. Esta vez, la guerra ha mudado ya no del campo a la televisión, sino al móvil. Incluso el término da para poner nombre a una recopilación de reportajes de Ryszard Kapuscinski.

Y es que el fútbol da, y para mucho. No sólo introduce ingentes cantidades de dinero en muchos bolsillos, la pasión que desborda entre sus seguidores es capaz de derrumbar estadios, quemar coches, y herir personas. En 1969, El Salvador y Honduras tomaron los partidos de eliminatoria para el mundial como excusa para exacerbar los ánimos de la población y declarar una guerra.

El video del inicio: otra joya que nos proporciona el fútbol. Los deportistas también tienen sus pataletas de niños consentidos. Todo lo que empieza como una competición irremediablemente lleva consigo una dosis de violencia. Es inherente a la condición social.

Purpurina, lycras y edulcorante

2009-11-01T05:14:00.000-08:00

Bollywood ha venido para quedarse. Al menos hasta el 22 de noviembre, y en el Teatro Victoria de Paralelo. Una Love Story by Bollywood no apta para diabéticos ni propensos a sufrir ataques epilépticos.

El argumento es sencillo: chico conoce chica, se enamoran y el padre de ésta no acepta la relación. El mismo Sutradhar (narrador tradicional) lo decía al principio: es la historia de un Romeo y Julieta.

Rahul ha venido a la ciudad a buscar fortuna, pero lo que encontrará será el amor entre las atestadas calles de la capital donde repentinamente choca con Priya. Oh, que dulce. Acto seguido, al más puro estilo Grease, chicos y chicas se dividen en dos pandillas intentando hacer un contrapunteo de ¿rap?, no lo sé. El Sutradhar nos presenta a Rahul, con esa camiseta verde fosforescente con lentejuelas y unos pantalones blancos que hacen juego con un leve tupé que lo asemeja más a un latin lover que a un buen chico de provincia. A partir de aquí podemos disfrutar de mil y una danzas a través de las cuales Priya y Rahul se demostrarán su amor, ya que hasta la boda no se pueden besar. El baile, pues, deviene un mecanismo a través del cual expresar las inquietudes e impulsos sexuales que generan ese contingente de hormonas en los primeros días del enamoramiento.

No desvelaré más detalles de la obra por si algún interesado prefiere acercarse hasta el teatro y enterarse por sí mismo.

Me quedo con la primera parte. Cantos tradicionales, imágenes de la India, bonitas coreografías -aunque por un momento creamos estar viendo el baile del neng, con todos mis respetos -, tripitas al aire, e interacción con el público. La segunda parte se vuelve un poco más de lo mismo, pero hasta el punto de que agota. Más purpurina, más lycras, más colorines, más canciones de amor... y un final feliz, porque en Bollywood todo tiene un happy ending. Oops, lo siento.

Bollywood Love Story

Teatro Victoria

Hasta el 22 Noviembre

El guerrero amable

2009-10-26T11:16:00.000-07:00

En mi post anterior hacía referencia a la violencia presente en las artes marciales. Voy a profundizar en este tema desde mi propia experiencia y mis conocimientos. Yo soy practicante de un estilo de kárate llamado kyokushinkai. Lo fundó en 1964 Masutatsu Oyama, un hombre famoso en Japón por sus proezas, entre las que destacan las siguientes:

· Hizo un retiro solitario de 18 meses a las montañas. Durante todo ese tiempo estuvo entrenando doce horas al día, siete días a la semana. Su entrenamiento consistía en sentarse a meditar bajo las aguas heladas de las cataratas, luchar con animales salvajes y partir árboles y piedras con las manos.

· Luchó contra 52 toros, de los cuales tres murieron al instante de empezar el combate y 49 fueron despojados de sus cuernos con un golpe ejecutado con el borde de la mano.

· Combatió con 270 personas que le desafiaron. Ganó a la mayoría de un solo golpe. El resto, ninguno duró más de tres minutos.

Hay muchos estilos diferentes de kárate. Algunos se centran mucho en la técnica, y sus estilos de combate no son de contacto pleno. El kárate kyokushinkai, en cambio, da mucha importancia al combate real. Potencia, por tanto, la fuerza, la resistencia y la dureza. En competición, los combates son al K.O., y no se usan protecciones –solamente la coquilla en los hombres. Se puede golpear a todas las partes del cuerpo menos a los genitales y a la cara con los puños –sí se puede golpear con la pierna o la rodilla. Es uno de los estilos dentro de un arte marcial más duros que existen.

Tal como he presentado el arte marcial que practico y a su creador, parece a priori que se trate de un asunto para violentos y masoquistas. Pero no es así, o no debería serlo.

Kyokushinkai es una palabra compuesta por kyoku (lo más alto), shin (verdad) y kai (unión o asociación). Son conceptos muy abstractos, y su verdadero significado sólo se puede ir entendiendo con el paso de los años y tras muchas horas de entrenamiento. Éste es otro punto importante de nuestra filosofía: “si entrenas 1.000 días, eres un principiante; si entrenas 10.000, eres un maestro”. La perseverancia, pues, es uno de los valores esenciales. Si se quiere aprender, se tiene que entrenar un día, y otro, y otro, y otro… Mi maestro siempre dice que te puedes tirar diez años entrenando regularmente hasta conseguir el cinturón negro. A partir de entonces, es cuando empezarás a practicar kárate de verdad. Otros aspectos fundamentales en nuestra formación son la humildad, el respeto y la disciplina. El mejor karateka no debe presumir nunca de sus cualidades, sino que, por el contrario, cuanto más sabe, más debe darse cuenta de todo lo que todavía ignora.

Físicamente, por su parte, nuestra práctica trabaja mucho la flexibilidad y la potencia. Golpear duro, con precisión y siendo capaces de llegar con las piernas a cualquier parte del cuerpo de nuestro adversario. La resistencia física también es muy importante, ya que es esencial para conseguir la victoria en un combate.

Toda esta exposición resumida de qué es el arte marcial que practico me tiene que servir para explicar que el kárate es un tipo de formación personal que ayuda a adquirir unas ciertas capacidades físicas y una mentalidad determinada. El kyokushinkai nos crea como personas que deben ser capaces de afrontar todas las dificultades de la vida sin rendirse fácilmente. Esto es aplicable dentro y fuera del tatami. Por ejemplo, estamos acostumbrados a hacer flexiones sobre los puños y apoyando sólo las puntas de los dedos. A menudo nos mandan hacer más de las que somos capaces. Se nos hace una montaña. Pero no importa: la cuestión es siempre hacer una más, aunque nos duelan los brazos, los puños y los pectorales, hay que acostumbrarse al dolor, aguantarlo y luchar por superarlo. Estas sensaciones son tan familiares para nosotros que cuando nos encontramos con ellas en la vida cotidiana, debemos tener, en principio, una cierta facilidad para afrontarlas. Gracias a esta resistencia, se adquieren unas propiedades físicas también, en principio, fuera de lo común –aquí estoy hablando, claro, de años de entrenamiento. Nuestro entrenamiento no se destina a la musculación; por tanto, no estamos todos cuadrados por el hecho de practicar kárate. Pero, indudablemente, estamos en forma. El karateka hace 40 flexiones sobre los puños y se levanta como si nada. Mentira, yo hago 40 flexiones y me preocupo porque en el siguiente examen para pasar de grado me pedirán que haga 60. A base de persistencia, acabaré haciéndolas. Lo que quiero decir con todo esto es que el karateka aguanta físicamente, en gran parte gracias a la adquisición de una mentalidad perseverante, lo que mucha gente no podría soportar. Al fin y al cabo, también es “hacer deporte”, y estar en forma también se agradece.

Recapitulando, en este post he intentado explicar por qué practico el kárate. Creo que he dejado claro que no lo hago para poder ser el más fuerte, ir de chulo por la vida y pegarme con otras personas. Claro que hay alguna gente que se apunta al gimnasio con esta intención. En mi estilo hay algún que otro chulito de barrio, pero no suelen durar por no tener la actitud correcta; se cansan cuando encuentran cualquier otro entretenimiento. La práctica del kárate es algo totalmente personal, es algo que yo hago para mí, para mi propio desarrollo. ¿Podré usarlo alguna vez en mi propia defensa? Claro, si se da el caso de que alguien me quiere atacar y se trata de él o yo. Pero un karateka de verdad evita la violencia siempre que es posible. Un apunte final: por lo que he dicho, parece que todos los practicantes de mi estilo tenemos que ser jóvenes y fuertes. Pero no, lo cierto es que cualquier persona con las ganas necesarias puede iniciarse en el kyokushinkai: altos, bajos, gordos, flacos, jóvenes, viejos… Puede haber personas que no tengan mucha fuerza, que se cansen pronto, que no lleguen con la pierna a la cabeza del rival. No pasa nada. La cuestión es darlo todo de uno mismo para así, poco a poco, ir mejorando. El kárate saca de cada uno lo mejor física y mentalmente.

Killer.

Nos vamos a poner el velo

2009-10-23T13:24:00.000-07:00

La propuesta de la Federación de Asociaciones de Madres y padres de Cataluña sobre cambiar el nombre de las vacaciones de Navidad por vaciones de invierno, y las de Semana Santa por vacaciones de primavera ha armado un revuelo que sinceramente no comprendo.

No lo comprendo desde la óptica de aquella sociedad que dice que apoya y vela por el laicismo, pero que se subleva por estos cambios. Anodinos, sí, quizás. Ahora creo que preocupan más otras cosas antes que saber qué nombre poner a las vacaciones. Y digo que no lo comprendo porque he escuchado opiniones -del gremio, básicamente- que rechazan contundentemente este cambio, pues son los inmigrantes los que han de adaptarse a nosotros, y no al revés. Aunque luego vayan hablando de eso de la multiculturalidad, el intercambio entre culturas, sociedades, etcétera. Pero, maticemos: el cambio se ha pedido en un principio para no herir las confesiones religiosas de los alumnos extranjeros, y por otra parte para ajustar el calendario escolar. Nosotros que nos peleamos con la Iglesia, que nos pavoneamos diciendo que somos agnósticos nos sorprendemos por esta propuesta. ¿Cuántos celebráis verdaderamente la Navidad? ¿Cuántos celebráis la Semana Santa? Creo que a la hora de entrar al Vueling y pillar unas buenas ofertas pocos pensáis si es Semana Santa o no.

Y si es porque "acabaremos poniéndonos el velo", como profetizaba alguien junto a mí..., señores, tenemos un problema. Estamos sacando las cosas de contexto y creando alarmas sociales donde no las hay.

2009-10-18T10:03:00.000-07:00

¿Hay más violencia de género, se denuncia más a los agresores o se rebelan más las mujeres contra la violencia estructural?

En este asunto creo que hay mucha gente que prefiere no mojarse, pues resulta que últimamente la preocupación principal - que debe ser solucionar un grave problema social que afecta directamente a la mujer, e indirectamente a todos- parece ser encontrar un nombre que defina bien este tipo de violencia: de género, machista, doméstica, contra la mujer, y un largo etcétera.

Según los datos del Ministerio de Igualdad, a mediados de octubre ya habían 46 víctimas sólo en este año. Tanto las víctimas como los agresores rondan los 30 y 40 años y eran pareja.

Comparando los datos de este año con los anteriores, es visible un descenso en el número de víctimas.

Pero, ¿por qué de repente este revuelo en los medios de comunicación, en el Gobierno, por hablar de violencia de género, por crear ministerios, campañas...? ¿Es porque ha aumentado la violencia contra el colectivo de mujeres? ¿Es que acaso el hombre de hace un siglo no pegaba a su mujer? ¿O es que nos enfrentamos a una ola de violencia inusitada? ¿O las mujeres han decidido decir ¡basta!?

A mi parecer, nuestra sociedad se ha dado cuenta de que algo no marchaba bien. Mi temor es que esto no sea más que una "moda pasajera", con el perdón y el respeto que se merece este asunto. La violencia está a la orden del día: contra mujeres, hombres, jóvenes y ancianos. Aún tiene que gastar más millones el estado del bienestar para hacer de él un lugar mejor para todos.

La violencia no se ejecuta sólo con armas, ni con puños, ni cuchillazos, ni con tan solo palabras. La violencia está en todo aquello con que nos creemos superiores a los demás.

Hola

2009-10-16T13:30:00.000-07:00

Todavía queda gente que le saluda a uno al subirse a un tranvía. Gente que le estrecha a uno una mano cálida. Gente que con una mirada se dice "hola" y "adiós". Mirándolo así diríamos que el mundo se acaba. Se acaba la gente.

Esperpéntico

2009-10-16T12:49:00.000-07:00

He aquí una viñeta publicada hoy en el 20Minutos que me huele mucho a caso Gürtel, Hacienda, Millet... no sé. Veamos qué dice el RAE sobre estas definiciones;

Transfuguismo Especialmente en la vida política, actitud y comportamiento de quien se convierte en tránsfuga.

Prevaricación Delito consistente en dictar a sabiendas una resolución injusta una autoridad, un juez o un funcionario.

Cohecho Delito consistente en sobornar a un juez o a un funcionario en el ejercicio de sus funciones, o en la aceptación del soborno por parte de aquellos.

Nepotismo Desmedida preferencia que algunos dan a sus parientes para las concesiones o empleos públicos.

Concusión Exacción arbitraria hecha por un funcionario público en provecho propio.

Privanza Primer lugar en la gracia y confianza de un príncipe o alto personaje, y, por ext., de cualquier otra persona.

Prebenda Oficio, empleo o ministerio lucrativo y poco trabajoso.

Sinecura Empleo o cargo retribuido que ocasiona poco o ningún trabajo.

Connivencia Disimulo o tolerancia en el superior acerca de las transgresiones que cometen sus subordinados contra las reglas o las leyes bajo las cuales viven.

Canonjía Empleo de poco trabajo y bastante provecho.

Venalidad Cualidad de venal. Vendible o expuesto a la venta.

Desafuero Acto violento contra la ley.

Conchabanza Acomodación conveniente de una persona en alguna parte.

Sencillamente esperpéntico.

"Los héroes clásicos reflejados en los espejos cóncavos dan el Esperpento. El sentido trágico de la vida española sólo puede darse con una estética sistemáticamente deformada"

Ramón del Valle-Inclán, Luces de Bohemia

Sad hours

2009-10-15T13:37:00.000-07:00

¡Camareroooooooo!

La Ley de Salud Pública votada ayer en el Parlament prohibirá las 'happy hours' y cualquier otra estrategia para promover el abuso del alcohol en los locales de ocio.

¡Más de uno ha pegado el grito en el cielo!

¿Ley seca? ¿Aumentarán los botellones? ¿Auge del mercado negro?... Ya veremos, yo sólo comento lo que mis oídos han oído.

Ah, por cierto, se me olvidaba: estudian restringir la entrada al Parc Güell. Ya no saben cómo explotarnos más. Con los paseos que me he dado hasta allí.

El apunte Si os habéis dado cuenta, he seleccionado dos verbos 'negativos' para enlazar con las noticias... da qué pensar. Las noticias comienzan a tener demasiados no, no, no...

Cultura de la violencia

2009-10-15T12:48:00.000-07:00

Recuerdo una escena de El club de la lucha en que unos personajes intentan buscar pelea por la calle, de forma totalmente gratuita, y se encuentran con que la gente los rehuye, no entran al trapo, huyen de la violencia. Estoy bastante de acuerdo con el enfoque: en general, no somos violentos. Por miedo o por la educación que hemos recibido, no solemos pegarnos, y acostumbramos a buscar soluciones que no pasen por utilizar los puños para resolver nuestros conflictos con otros seres humanos. Claro que hay mucha gente en el mundo que va por ahí buscando pelea, pero son minoría, por lo menos en nuestra sociedad. ¿Qué es una persona así? Pues alguien que no ha sido educado correctamente según nuestras normas de convivencia -y que, por tanto, no conoce otra forma de interactuar con la gente de su alrededor-, o bien un demente, alguien con problemas psicológicos que necesita descargar su ira porque eso le excita las neuronas, porque odia al mundo o a sí mismo, o lo que sea. Incluso la gente que practica un arte marcial -entre los que me incluyo- suele verlo no como una forma de violencia, sino como un entrenamiento personal, que consiste en el desarrollo de unas aptitudes físicas y psicológicas. El combate dentro de un arte marcial -que a veces, visto desde fuera, puede parecer muy violento- es algo ritual, violencia reglamentada y, por tanto, no estrictamente real. Fuera del tatami, se convierte en otra cosa muy distinta. “No me gusta la violencia” – dice el Señor Miyagi en la película El nuevo karate kid, cuarta y última entrega de la saga.

Aún así, estamos rodeados de violencia. Y no hablo de la violencia que practican unos estados contra otros, o contra su propia gente. Me refiero a aquélla que aparece en las series y las películas: la violencia como forma de arte. Llevo unos años asistiendo al Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya, que se celebra en las primeras semanas de octubre en Sitges. Allí he podido visionar algunos filmes con elevadas dosis de violencia, a veces muy gráfica. En esta pasada edición, destacó por su crudeza The Human Centipede (El Ciempiés Humano), película que cuenta el macabro experimento del doctor Heiter, cirujano alemán de renombre que decide raptar a dos turistas americanas y a un japonés para unir sus cuerpos y crear, así, un único ente vivo. Lo hace cosiendo los labios de uno con el ano del otro, de forma que el japonés, que es quien está en la cabeza, es el único que tiene los labios libres y se alimenta de comida “de verdad” -de perro. Las americanas se alimentan de excrementos, una de los que salen del japonés y la otra de los de su amiga. Sin duda se trata de una de las películas más duras que se han proyectado este año. Aún así, los espectadores disfrutaron, se rieron y aplaudieron con ganas en las escenas más chocantes y explícitas. Es una actitud característica de los asistentes al festival: parecen estar predispuestos a encontrarle la gracia a filmes que mucha gente encontraría de verdadero mal gusto. Esto contrasta un poco con el primer párrafo de este texto, pero… ¿significa que todos los que vamos a Sitges somos sujetos en exclusión social o enfermos mentales?

Si buscáis en Youtube “Quentin Tarantino” o “Tarantino”, el primer resultado que aparece es un fragmento de un programa de televisión en el cual una entrevistadora sonriente, sarcástica y aparentemente implacable reprocha al cineasta que haya un grado tan elevado de violencia gratuita en Kill Bill. La señora se escandaliza porque Tarantino no sólo defiende la violencia en la película y en el cine, sino que además anima a los niños a partir de 13 años, y especialmente a las niñas -los protagonistas de Kill Bill son mayoritariamente femeninos-, a ver la película. Para qué negarlo, el punto de vista de la presentadora representa una noción que ha calado hondo en gran parte de nuestra sociedad: la violencia en las películas y en los videojuegos es perjudicial para la educación de nuestros hijos. Supongo que es lo que pasa cuando el papel de educar se otorga a la televisión, el DVD y la Playstation. Obviamente, exponer a un niño a imágenes que no va a entender y que únicamente van a crear dentro de él miedo, inseguridad, asco y confusión… es una idea totalmente absurda. Pero otra cosa muy distinta es abrir la mente de un preadolescente, introducirle poco a poco a cultura de calidad, para adultos, más allá del limbo de felicidad y belleza que proporcionan las series de Disney Channel. La cultura tiene un lado oscuro que no pasa necesariamente por el gore más explícito. Algunas de las películas más memorables de la historia del cine contienen violencia, o están relacionadas con ella de forma más o menos directa.

Como referencia, voy a echar un vistazo al top 250 de IMDb (Internet Movie Database). Se trata de la lista de las 250 películas mejor puntuadas por los usuarios de la web. En primer lugar está Cadena Perpetua, película basada en un cuento de Stephen King que obtuvo 7 nominaciones a los Oscar, entre ellos la de mejor película. Cuenta la historia de Andy Dufresne (Tim Robbins), banquero culto, educado e inteligente, que es condenado injustamente a cadena perpetua por el asesinato de su esposa y del amante de ésta. La película contiene escenas de maltratos, palizas, fugas, suicidio, tiroteos… Al mismo tiempo, ofrece interesantes reflexiones sobre la amistad, la esperanza y la redención. En el segundo y el tercer puesto están, respectivamente, El Padrino y El padrino: Parte II. No hace falta que diga nada sobre ellas. Además, en quinto lugar nos encontramos con Pulp Fitction. Llama la atención que tengamos tres películas de gangsters en el top 10. Y que haya bastantes más en la lista: Uno de los nuestros (#15), Infiltrados ( #56), L.A. Confidential (#65), Reservoir Dogs (#68), Scarface (#174), etc. El spaghetti western, violento género que dio al cine obras maestras de la mano de Sergio Leone, también está presente: El bueno, el feo y el malo y Once upon a time in the west ocupan respectivamente el 4º y el 21º lugar. Películas bélicas hay un montón: Apocalypse Now (#35), Senderos de gloria (#8,5), Salvar al soldado Ryan (#52), etc. ¿Y filmes que traten sobre psicópatas, asesinos en serie o perturbados mentales? El caballero oscuro -su verdadera estrella es el Joker- (#9), Psicosis (#23), El silencio de los corderos (#24), Seven (#30), La naranja mecánica (#53), y podría seguir hasta hacer una lista muy larga.

Lo que quiero decir con todo esto es que parece ser que la violencia no sólo está muy impregnada en nuestra cultura -el cine da buen ejemplo de ello-, sino que además no es rechazada por la audiencia, no necesariamente echa a perder un producto artístico a los ojos de sus consumidores. Claro que hay niveles de violencia en las películas, que van desde lo más light hasta lo más vomitivo. Pero el caso de Tarantino es curioso: el cineasta no escatima a la hora de añadir sangre a sus escenas, y aún así la mayoría de películas que ha dirigido están en la lista de IMDb. Volviendo al vídeo, me gusta cómo el cineasta explica el porqué de la inclusión de tanta violencia en Kill Bill. Estoy seguro de que son muchas y muy diversas las teorías sobre la violencia en el arte. Imagino por dónde irán los tiros en muchas ocasiones: el artista incluye imágenes y temas violentos en su obra como vía de escape para su psique reprimida… A mí, personalmente, me gusta más la explicación que da Tarantino a la reportera. ¿Por qué jugar con la violencia? ¡¡PORQUE ES DIVERTIDO!!

“Si quieres hablar de películas, hablemos de películas,
si quieres hablar de la vida real, hablemos de la vida real”

Me gustaría acabar este texto haciendo referencia a un aspecto que me ha llamado la atención este año en Sitges. Habrá sido casualidad, pero en dos de las películas que vi se intentaba explicar de forma similar la personalidad “desviada” de una persona. Digo de forma similar porque ambas lo hacían mediante el uso de flashbacks, y porque en las dos la explicación giraba entorno al mismo caso: niño que ve como sus padres son asesinados delante de sus ojos por un psicópata que se cuela en su casa. En Giallo, película del director Darío Argento protagonizada por Adrien Brody y Elsa Pataky, se trata de un inspector de policía solitario e introvertido (Brody), obsesionado con el caso de un asesino en serie que se dedica a raptar a bellas mujeres, desfigurarlas poco a poco y luego matarlas. Lo curioso de la historia es que el inspector, cuando era adolescente, descubrió al asesino de sus padres y una noche lo mató a cuchilladas; y resulta que había un comisario observando la escena; y resulta también que, caprichos de la vida, el comisario no detuvo al joven, sino que se convirtió en su protector y lo fichó para el cuerpo. Vale, la película era bastante absurda. La otra es Dread, y ésta sí que es buena. Hay que decir, por si a alguien le pudiera interesar, que está basada en un relato del escritor británico Clive Barker. Aquí el personaje en cuestión es un joven que, desde el asesinato de sus padres, tiene brutales pesadillas, visiones y crisis de ansiedad. Por eso decide hacer un experimento… pero con otras personas. Éste consiste en hacer al sujeto experimentar directamente su miedo más profundo. Sólo así conseguirá vencerlo. Por ejemplo, se acuesta con una muchacha que tiene en la cara y en casi la mitad de su cuerpo una gran mancha negra de nacimiento. Luego coge una grabación en vídeo donde sale ella en ropa interior y la proyecta por todas las pantallas de su universidad, con un mensaje grabado al final: “tú siempre serás así, nunca serás normal”. La pobre chica se mete en una bañera a limpiarse con agua, una esponja y ácido sulfúrico. Acaba en urgencias. Otra de sus amigas tiene fobia a la carne porque su padre, que trabajaba en un matadero, la violaba al volver del trabajo. Pues va el tío y la encierra en una habitación minúscula, con todas las ventanas tapadas y un gran bistec de carne como único alimento. Además, instala una cámara de vídeo para controlar sus movimientos. La chica tarda más de una semana en comérselo, y cuando lo hace han cambiado dos cosas: una, que ella está sucia, medio muerta, medio loca y totalmente desquiciada; la otra, que el bistec está medio podrido, rodeado de moscas y habitado por viscosos gusanos blancos. Aún así, la pobre sólo deja el hueso.

Es interesante cómo la violencia puede moldear la personalidad de una persona. La violencia real, claro. La ficticia… pse.

Si habéis leído todo el texto, quizás os habréis dado cuenta de que repito bastante la palabra “violencia”, de forma un tanto reiterativa. Lo sé, me he dado cuenta. Pero lo cierto es que me es imposible encontrarle un sinónimo adecuado a la palabra. Violencia es simplemente violencia.

El apunte
Reestrenan La Naranja Mecánica con motivo del 10º aniversario de la muerte de Kubrick

Texto: Nuestro colaborador Killer, que estrena sección, denominada cutremente por mí como "Pasaba por aquí"...

El reloj tiene la gripe A

2009-10-13T12:32:00.000-07:00

El reloj de la plaza cívica de la UAB marcaba hoy a las 10.45am 44ºC.

¿Se ha contagiado el reloj de la cívica de la gripe A?

¿Emplearán el protocolo de emergencia previsto para estos casos?

¡Cíentíficos de la UAB, vuestro reloj os necesita!

¿O será que se ha puesto en huelga porque ya no hay Festa Major?

¿Será que el reloj marca la temperatura del ambiente de los despachos de la universidad? De ser así no me extraña que marque semejante candelero con los debates y las controversias que se deben coser ahí dentro... ¡sálvese quien pueda!

Agenda cultural

2009-10-11T12:45:00.000-07:00

29 Octubre - 8 Noviembre

Festival Internacional de Cine Documental Musical de Barcelona
In-Edit Beefeater

Cicles Altaveu

Amics de la Unesco

c/Mallorca, 207, ppal.

19.15h

3€/conferencia

19 Octubre

El haiku, la composición poética más corta del mundo

A cargo de: Ángel Ferrer, catedrático

2 Noviembre

Favelas de Río de Janeiro: desde su nacimiento hasta hoy día

A cargo de: Gisele Netto, periodista

16 Noviembre

La música popular en el s.xx: la voz del pueblo de los corridos a Chava Flores

A cargo de: Isabel Bargalló, doctora en Arte

30 Noviembre

La diversidad, la vitalidad y el impacto de la música brasilera

A cargo de: Fernanda Martins, promotora cultural

Atados

2009-10-10T13:19:00.000-07:00

"Resulta que en este mundo, al hombre sólo le es dado hacer el mal y, por el contrario, no tiene el derecho de hacer ni pizca de bien, todo ello en virtud de absurdos convencionalismos"

Frase de Crimen y Castigo de Dostoievsky. Ilustrativa para el caso que nos reúne aquí de nuevo: el seminario sobre la novela de Stieg Larsson y best-seller del año, Millenium.

Son varios los temas que iremos tratando alrededor de esta trilogía... Poder, dinero, maltrato, conspiraciones, otra vez poder, otra vez dinero, conflictos morales y éticos, riñas familiares, inseguridad en el mundo real y el virtual, etcétera.

Ahora nos interesa comentar el conflicto moral que plantean todas aquellas cuestiones que decidimos resolver "por nuestros propios medios". Entiéndase, cuando decidimos tomar la justicia por nuestras manos. Y es que el caso de Lisbeth Sallander - aquella chiquilla misteriosa y enjuta que ha cautivado a miles de personas, incluso a importantes figuras literarias como Vargas Llosa - es uno muy frecuente, sobre todo en tiempos donde la justicia y los que se suponen que velan por ella brillan por su ausencia.

No contaré aquí todo el argumento y desenlace de la novela para evitarme reproches luego. Pero la cosa va del maltrato físico, sexual y psicológico que sufre la chica a manos de su segundo tutor el abogado Nils Bjurman. La joven, al tanto de la ineficacia de la policía y la justicia para con aquellas personas que por diversas razones se encuentran en baja consideración, decide vengarse. ¡Y vaya venganza! Una que no se podrá borrar, ni de su cuerpo ni de su mente.

¿Hasta qué punto es moral este tipo de acciones? ¿Es lícito? ¿Qué puede hacer el ser humano cuando naufraga en medio de ese supuesto "estado del bienestar"?

El lector, mientras se recrea las imágenes que relata la novela, debe navegar entre ideas subjetivas y argumentos lógicos y objetivos. Mi primera reacción fue: pero, ¿por qué esta chica no corre a la policía? Y su personaje evidentemente ya había sopesado todas esas opciones posibles y vio que ésa no era la mejor. ¿De qué serviría?, pensó quizás ella.

Hace unos días Els Matins de TV3 daba la noticia de un estudio realizado por un grupo de estudiantes de la UB -si mi memoria no falla- que explicaba cómo los juzgados mientras más inversión recibían menos eficaces eran. Este viernes ya daban la noticia de la detención del conocido como "el segundo violador de l'Eixample" que estaba en libertad provisional esperando a que algún juez firmase un 'papelito' para que pudiese cumplir otra pena por abusos sexuales. Sabemos que aquí en Catalunya la Conselleria de Justícia prevé aplicar la castración química a los presos por delitos sexuales que así lo soliciten. No sé qué es peor, si el remedio o la enfermedad. Por una parte dejamos en libertad a violadores y agresores que ya han mostrado actos de reincidencia. Y por otra, dejamos en sus manos una solución que posiblemente evitaría más daños a personas inocentes.

Con un panorama así no ha de extrañarnos que más de uno/a vaya por ahi azotando esos cuerpos pecadores.

Recuerdos y sensaciones

2009-05-28T11:38:00.000-07:00

Aficionados de la velocidad y la destrucción sonora.

- Es esa sensación de rabia, de olvidarte del mundo que te rodea para centrarte en un mundo que te empuja y te chafa, un mundo con cuerpo de planeta redondo y grasiento, sudado, melenudo y con el ombligo al aire, un mundo que desde sus labios descompuestos exhala ése fuerte aliento de…

A veces lo que más te apetece en el mundo es coger una botella de cristal y estamparla contra la pared, sin razón alguna, por el solo hecho de ver como se esparce por el aire en trocitos puntiagudos. Explosión, el arte de la explosión, física, musical.

Damian Abraham, el vocalista, le arrebató una baqueta al batería del grupo y se la metió por el culo. Luego la tiró al público, que se apartó debidamente, aunque sin excesiva repugnancia. Nadie se preguntó por qué. Posteriormente, al finalizar la canción, Damian declaró: “Podéis estar tranquilos, me he duchado esta mañana. Todo está limpio”.

Anal Cunt es un grupo del cual suelen gustar más los títulos de las canciones que la música en sí:

(los mejores --traducidos)

Radio Hit
La música es una mierda
Los títulos de canciones son jodidamente estúpidos
Debes de ser underground de la ostia para poseer esto [refiriéndose al CD]
Nuestro grupo está muy enfermo (tenemos la gripe)
Reciclar es gay
Eres gay
Tienes pinta de ser adoptado
Tu hijo es deforme
Eres huérfano
Eres viejo (que te jodan)
Estás en coma
Tu mejor amigo eres tú
Tu grupo favorito es Supertramp
Me gustan las drogas y abusar de niños
Te convencí para que pegaras a tu mujer diariamente
Envié vídeos de campos de concentración a “Los vídeos más divertidos de América”
Empujé a tu mujer a la vía del metro
Envié una carta de agradecimiento al tipo que te violó
Tu hijo se suicidó porque das asco
Me comí tu caballo
Hitler era un hombre sensitivo
Hice que tu hijo se contagiara del SIDA para verlo morir
Me follé a tu mujer
La única razón por la que los hombres hablan contigo es porque quieren follar, estúpida
Me reí de ti porque tu hijo acaba de morir
La violencia doméstica es realmente realmente realmente divertida
Los dictadores molan
Ser ignorante es fantástico
Vendí tu perro a un restaurante chino

La música en ocasiones no debe tomarse demasiado en serio. Yo la tengo se lo tomaron al pie de la letra una vez en Japón, al enfrentarse con una canción de amor sincero y profundo. Actúan por estas fechas en el Primavera Sound, en Barcelona.

Cultura, cultura. Todo el mundo con la cultura en la boca. Tengo la sensación de que hay gente que considera la cultura una obligación, un deber supremo, místico, que tiene que actuar como fachada, símbolo de respetabilidad ante el mundo.

Frases largas, retorcidas, con rimas mal recogidas, estampidas, aburridas de la vida, sin sentido, como un nido de vocablos, todos de diccionario, formalidad de barrio; el contenido nunca importa, pero no te quedes corta

Lo que quiero decir es que parece que algunos consumen cultura porque parecen sentirse obligados a demostrar al mundo todo lo que saben. Su magnánimo conocimiento es insertado de forma muy sutil en conversaciones cuotidianas:

- ¿Te gusta la piña?
- ¿Te refieres al cuadro La pigne del hiperrealista moderado Théodore McEvan, a la canción tradicional tailandesa o a la película Piña: el génesis de aquél cineasta húngaro cuyo nombre no recuerdo?

en camisetas:

BUKOWSKI MOLA

LAS CAMISETAS DE “BUKOWSKI MOLA” MOLAN

SI EXISTIERA UNA CIUDAD LLAMADA BUKOWSKI, ESTA CAMISETA SERÍA SU SOUVENIR ESTRELLA

etc.

En mi humilde opinión, la cultura, el arte, el cine, la música, la literatura, son productos únicamente destinados a la excitación del ser desde su interior más remoto y visceral. Infantil. A veces las sensaciones nacen de los lugares más inesperados, de los textos menos estructurados o del sinsentido. Yo creo que la cultura no se lleva en el cerebro, sino en el corazón. O en el estómago. O en los genitales. O en la piel.

Pero no en el cerebro.

Killer.

Los demonios no están en el infierno

2009-05-23T11:06:00.000-07:00

... Están en Cancún.

En 2007 aparecía un reportaje en El País sobre la periodista mexicana Lydia Cacho y la ardua lucha que había emprendido años atras al destapar una amplia red de pornografía infantil en Cancún. Decidí que tenía que leerlo y también los dos libros en los que relata la pesadilla y el horror que sufrió ella y decenas de niñas y niños al verse atrapados en las garras de un par de hombres "poderosos", tras los cuales se estructuraba un impresionante aparato de corrupción a todos los niveles imaginables en la sociedad mexicana y cercanas. No deja indiferente a nadie, a pesar de que está frente a nuestras narices cada día, y a veces sin apenas percatarnos de ello.

En mayo de 2008, Lydia Cacho viajó hasta Barcelona para recibir un premio que otorgaba Casa América Catalunya. No pude perderme esa oportunidad de conocerla, verla, apreciar a la mujer periodista que con tanto valor y arrojo se había atrevido a decir ¡basta! Desde una cuarta fila o más atrás, me senté a escucharla, escuchar su historia y su lucha, que no deja de ser la lucha de aquellos que un día creyeron que se habían quedado sin voz.

En su libro Memorias de una infamia -que he leído hace poco- relata la persecución de la que ha sido y está siendo víctima después de sacar a la luz estos sucios negocios con la publicación del libro Los demonios del Edén. No es fácil, hay muchos nombres "importantes", muchas delegaciones de gobierno, muchas almas y cuerpos en juego, muchas familias, muchas vidas. Pero ella intenta relatarlo desde la más profunda sinceridad, unas veces acallando las lágrimas y la rabia que brota sola de su ser, y otras con el alma desbocada. Los empresarios Kamel Nacif y Jean Succar Kuri son la pieza visible de esa amplia red de pederastia, en la que también están implicados altos cargos gubernamentales de México, como el gobernador del estado de Puebla, Mario Marín, entre otros más.

En 2007 la directora mexicana Alejandra Islas estrenó el documental Los demonios del Edén, un recorrido en 72 minutos por la vida de Lydia Cacho durante los 18 meses que prosiguieron a su detención. El documental recoge amplios testimonios de periodistas, abogados, compañeras del CIAM, imágenes de archivo de los juicios y los careos a los que ha tenido que asistir y también grabaciones de las conversaciones entre los pederastas y las autoridades gubernamentales que ayudaron a destapar el caso.

Este mes de mayo, el documental pudo verse en algunas salas de Barcelona como la Filmoteca de Catalunya, y en algunos centros culturales. Vale la pena verlo. En youtube está disponible, cómo no. Y también la lectura de ambos libros escritos por la periodista, y donde narra a la perfección su investigación.

"El hecho de considerarte héroe es muy peligroso, porque ponen expectativas en ti que nunca vas a poder cumplir, jamás". Esto dice Lydia Cacho al inicio del documental. Aunque ella opine esto, quizás para algunos, sí que ha cumplido de sobras esas expectativas.

Audios de Kamel Nacif

http://www.unafuente.com/28-10-2006/audios-de-kamel-nacif/

Nocivo para la salud

2009-05-23T09:54:00.001-07:00

Año 1930, Sigmund Freud publica El malestar en la cultura, un ensayo en el que concluye que "el destino de la especie humana será decidido por la circunstancia de si -y hasta qué punto- el desarrollo cultural logrará hacer frente a las perturbaciones de la vida colectiva emanadas del instinto de agresión y de autodestrucción".

Parece ser que para Freud, el hombre debe su insatisfacción a la cultura, pues ésta es la encargada de reprimir los impulsos eróticos y agresivos que forman parte de la naturaleza del hombre. Como decía Hobbes, el hombre es el lobo del hombre. Digamos que es el Súper yo descrito por Freud, el que obliga a reprimir estos impulsos. Un Súper yo creado por la sociedad para mitigar las pasiones del Ello y permitir al Yo mantener un equilibrio con su exterior. El hombre conoce sus 3 fuentes principales de insatisfacción: el poder de la naturaleza, la caducidad del cuerpo humano y la insuficiencia para regular las relaciones sociales. De esta última surge la hostilidad hacia la cultura. ¿Por qué ésta no le puede garantizar cierto placer o satisfacción al hombre? El ensayo continúa con una amplia explicación de cómo el Eros (asociado a la líbido) y el Tánatos (de agresión o muerte) se complementan, discuten y confluyen en la lucha contra la cultura.

Niñas grandes

2009-05-23T03:23:00.000-07:00

¿Cómo relacionar a un escritor ruso del siglo XIX con un director de dibujos animados japonés del siglo XX? ¿De qué podrían hablar si se encontrasen en un universo paralelo? ¿Coincidirían sus mundos, sus percepciones, su filosofía... quizás algún personaje de sus obras? Un compañero de clase de cultura y yo hemos llegado a la conclusión de que sí. Sí pueden compararse algunos aspectos de la obra de estos dos autores. O al menos eso nos ha parecido al comentar la película El viaje de Chihiro de Hiyao Miyazaki y la novela Crimen y Castigo de Fiódor Dostoievski.

En ellas encontramos a dos personajes que compartían la inocencia de la infancia, el sacrificio en pos de quien se quiere, la salvación. Chihiro es una niña egoísta y malcriada que tiene que mudarse de ciudad con sus padres. Sonia Semyonovna Marmeladova es una chica de 18 años que tiene que prostituirse para mantener a su familia...

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En un escenario curioso, con valles de un intenso verde de fondo, un rio claro y luminoso con peces brillando en su interior y un sol resplandeciente de una mañana de verano, un director japonés de divertida expresión, con gafas de pasta oscura y una cabeza blanca camina en busca de inspiración. En su camino se topa casualmente con un atormentado hombre, cabizbajo, enfundado en un abrigo negro en pleno verano, se dirige a él para ayudarle y le dice;

- Oiga, hombre, ¿está usted bien?

- Déjeme en paz.

- ¿No tiene calor con ese abrigo?

- Frío, calor, da igual. Este mundo siempre nos machacará.

- Parece usted un artista atormentado.

- Sí, artista. ¿De esos que se mueren de hambre, no?

- Bueno, a veces. Todos los comienzos son difíciles. Yo ya llevo tiempo en esto y aún así hay días en que me cuesta encontrar un poco de inspiración para mis obras.

- ¿Qúe hace usted?

- De todo un poco; mi pasión es dibujar, eso sí. Crear mundos maravillosos, sobre todo para niños. ¿Ve usted esto? Mire a su alrededor, hombre. Esto es mio, lo he creado yo. Y ahora, ahora ni siquiera este hermoso valle me ayuda a concentrar. No sé qué hacer con mi Chihiro.

- ¿Quién?

- Chihiro. Una pequeña, protagonista de la obra en la que estoy trabajando ahora. Ya tengo un poco perfilado el personaje, es un poco egoísta, caprichosa, pero la pobre tiene que mudarse de su ciudad con sus padres. Y no sé, no sé, los viajes siempre hacen cambiar a la gente. Pero, ¿cómo, cómo podría cambiar ella?

- Oh, no. No me recuerde usted por favor a mi pobre Sonechka. Ya demasiado la he hecho sufrir.

- ¿A qué se refiere, quién es esa So-so... qué?

- Sonechka. Cuando la imaginé en mi atormentada cabeza nunca creí que pudiera llegar a hacerla sufrir tanto. Verá, por eso estoy así. He trasladado mi obstinación y mi enfado con esta sociedad a esa pobre muchacha, y también a Rodya.

- Perdone, Sonechka, Rodya... me estoy perdiendo. Aclárese usted, por favor.

- Son los protagonistas de mi novela, Crimen y Castigo. Es un buen chico este Rodya, pero no está hecho para este mundo. Y la pobre Sonechka, pobre, he tenido que robarle su identidad, su inocencia, he sacrificado su ser para acabar prostituyéndola en bares de mala muerte.

- Y, ¿por qué? ¿Cómo ha podido hacer eso con una pobre chica? ¿No podía ser su novela algo más positiva?

- No, no, el mundo es así. Sonechka es una de tantas más. Tiene que dar de comer a sus hermanos, levantar a su padre de la miseria en la que despierta cada mañana después de pasar una noche emborrachándose. Ella es así. Se ha sacrificado por su familia.

- Bueno, eso lo hacen muchas personas. La verdad es que ahora que lo dice, también yo había pensado en algo así para Chihiro. Verá, estoy imaginando un mundo cruel, casi como el nuestro, donde la pequeña Chihiro debe luchar por conseguir liberar a sus padres de las garras de los fantasmas que atestan en ese universo.

- Liberar, eh.

- Sí, una aventura donde la liberación es doble. Liberar a sus padres y liberarse a sí misma de esa actitud que no le conviene. Sería como sacrificar esa persona que es ahora para conseguir un mundo mejor junto a sus padres.

- Parece bien. Supongo que mi Sonechka ha hecho algo parecido.

- ¿Ah, sí?

- Sí, al final creo que me ha hecho ver usted la parte más agradable de la vida.

- ¿Cuál?

- La de ayudar a los demás ayudándose a uno mismo. Su Chihiro tiene que dejar atrás esa actitud egoísta y desinteresada para ayudar a sus padres. Y mi Sonechka decide al final abandonar esa dura vida para emprender un viaje con Raskólnikov, Rodya, no menos duro, claro, de redención, que les llevará a ver con otros ojos el mundo que se va creando a su alrededor.

"Fue sin querer queriendo"

2009-05-04T04:49:00.001-07:00

Estuve pensando unos días qué héore/antihéroe analizar para el blog. No me ha resultado fácil. He hecho un recorrido por los dibujos animados de mi infancia, porque era cuando creía en los "súperhéroes". Ahora no; ahora los héroes son cantantes, actores, directores de cine, modelos, economistas, frikis del youtube, presidentes estrambóticos y un sinfín de categorías más.

Yo intentaré esbozar brevemente porqué El chavo del ocho es para mí un "héroe". La serie se estrenó en los 70, pero hasta la actualidad se siguen emitiendo capítulos de temporadas pasadas. La serie puede parecerle a mucha gente ridícula, chocante e incluso perversa, dado que los actores ya adultos intepretan a unos niños de una vecindad. Pero yo eso lo encuentro muy gracioso. Unos "viejos" interpretando a unos niños. No es la primera ni la última vez que se vea esto. Desde una vertiente psicoanalítica incluso podría hablarse del síndrome de Peter Pan, pero yo creo que no es el caso.

El chavo del 8, Kiko y la Chilindrina son tres niños que viven en un barrio de México, aunque en la serie no se explicita mucho de qué país son; la historia perfectamente puede extrapolarse a cualquier país de Latinoamérica. Kiko vive con su madre, Doña Florinda. La chilindrina con su padre, Don Ramón. Y el chavo vive solo. Llegó un día a la vecindad con una improvisada cesta de ropa al hombro y se quedó en el barril identificado con el número 8 y que sería su vivienda de allí en adelante. El chavo no tiene nombre, es el chavo. Y tiene padres, aunque como él dice: "Aún no me los han presentado". Buscando en Internet me he topado con un estudio llamado Relexiones sobre El chavo del ocho (parte I y parte II), donde el autor se plantea varias líneas de análisis. Las relaciones de autoridad entre adultos y niños, el amor y las carencias afectivas, la violencia, la crítica social, el uso del lenguaje, entre otros.

Coincido con el autor cuando explica que, a pesar de las críticas que ha recibido la serie en varios países por considerarla muy violenta o que promovía actitudes perjudiciales para los niños, la serie ha aportado mucho al continente y a todos aquellos países donde se ha exportado. Mis padres crecieron viéndola, mis primos también, yo la recuerdo y seguro que mis hermanas más pequeñas siguen viéndola en casa por las tardes. El chavo representa la humildad, la lucha de los miles de niños que tienen por vivienda la calle en Latinoamérica, aquellos que tienen que limpiar zapatos en una plaza o limpiar cristales en un semáforo en lugar de ir a la escuela... El personaje de el chavo que por no tener padres ni contar con una buena educación podría tildarse de vago, irresponsable, tonto, etcétera, es el más listo de la pandilla. Entre los tres y bajo la mirada de los "adultos", doña Florinda, don Ramón, el señor Barriga, el profesor Jirafales o la Bruja del 71 resuelven en cada episodio un problema de convivencia y comunicación.

Tras más de 20 años en antena se le puede acusar de repetitiva, y ciertamente hay elementos y conflictos que se repiten. La ropa que viste a los personajes parece sacada del mismo armario que la de Los Simpsons, no varía temporada tras temporada. Siempre tenemos la seguridad de que en algún momento doña Florinda le dará una bofetada a don Ramón, o que éste le dará un coscorrón a el chavo y éste a su vez saldrá corriendo con su "pi pi pi pi pi" que caracteriza a su llanto o el "fue sin querer queriendo" con esa voz en cadencia. Y así los típicos: "Chusma, chusma" de Kiko o el "Se lo voy a decir a tu mamá, Kiko" de la Chilindrina.

Todos los personajes que creó Roberto Gómez Bolaños (y aquí incluyo también al archiconocido Chapulín Colorado -hasta Homer es fan del "súperhéroe") tienen algo especial. Un carisma que los acerca al público y que les permite identificarse con ellos, con sus mismos problemas, sus ilusiones, sus decepciones. No excusaremos al creador de recrear una vecindad un poco machista, irresponsable y banal a veces. En cualquier caso, no sería más que un reflejo de la misma sociedad donde se inscribe, y los aportes aquí han sido más que las faltas.

Escisión

2009-05-04T02:30:00.000-07:00

Raskolnikov, supuestamente del ruso "raskol" que significa "escisión". Hoy en Periodismo cultural teníamos que escoger un personaje que consideráramos héroe/antihéroe. A mi se me da muy mal escoger, y sin mucho pensar, pillando lo primero que se me venía a la cabeza, escribí en la hoja Raskolnikov, el protagonista de la novela Crimen y Castigo de Dostoievski. El cuestionario que debía responder la clase seguía así:

1. ¿Por qué me siento identificada con este personaje?

La verdad, no es que me identifique con él hasta el punto de no delimitar ficción de realidad -que tampoco creo que haya una separación muy clara. Quizás escogí este personaje al azar, o porque acababa de leer en el periódico que este mes saldría a la venta las Obras completas de Dostoievski, pero no me desagrada. Al contrario, me llama la atención la minuciosa descripción psicológica del personaje en la novela. Parece un hombre atormentado, que analiza cada situación en la que se ve envuelto hasta el extremo, y que a pesar de tener una visión pesimista y fatalista de la vida, hacia el final parece redimirse de todo ello.

2. Valores positivos y negativos del personaje

Los hago conjuntamente porque creo que en su caso un valor positivo se puede transformar en negativo cuando lo lleva al extremo. Es un personaje analítico, ensimismado, realista, humilde y, al parecer desinteresado. Crítico con la sociedad de su tiempo y también crítico consigo mismo. Sin embargo, estas cualidades supuestamente "positivas" se transforman en un arma de doble filo, pues, por ejemplo, su desinterés hacia la vida misma le lleva en ocasiones a evadirse del mundo que le rodea hasta generar un egoísmo despiadado que afecta a su familia y amigos. Su costumbre de analizar cada paso que da y de ver fantasmas donde no los hay raya en lo obsesivo, y le hace perder perspectiva de sobre ciertas cuestiones.

3. Punto en el que centraría mi trabajo si pudiera hacer algún producto cultural

Lo enfocaría hacia el estudio de la lucha interna del personaje por sus convicciones acerca del "bien" y el "mal" y el análisis psicológico del mismo, del cual derivaría una crítica social a las convenciones sociales de la época.

4. Papel que me gustaría tener dentro de la historia

Al sentirme identificada de cierto modo con este personaje, supongo que también me agradaría "interpretarlo", del mismo modo que me podría sentir identificada con el papel de Sonia que representaría una antítesis de Raskolnikov que, sin embargo, le complementa.

5. ¿Qué ha aportado este personaje a la humanidad?

Como personaje de ficción narrativa ha sentado un precedente a mi parecer. Publicada en 1866, esta novela de aire psicológico y crítica social ha servido de inspiración a muchos novelistas posteriores como Kafka, por nombrar uno. A mi particularmente, me ha brindado la oportunidad de acercarme más a este escritor y su obra, así como a la sociedad rusa de finales del siglo XIX.

6. ¿Qué reconocimiento se merecería?

El reconocimiento ya se lo han dado los años y la crítica literaria. Se han hecho varias adaptaciones cinematográficas -que no he visto, pero sé que las hay- quizás con mayor o menor éxito. El reconocimiento -que no sé si sería tal cosa- que podría hacerle yo, y que me agradaría hacer porque me interesa la literatura, sería un estudio de la narrativa de este autor y la construcción de este intrigante personaje.

Pintura: Ernesto Sábato

Haiku

2009-04-27T03:44:00.000-07:00

Mis manos temblando

se esfuman las carreteras

caen mis párpados

Haiku, breve poema japonés que suele tratar de la naturaleza, la realidad y lo percibido por los sentidos. Hace ya unas semanas, la tarea de Periodismo cultural consistía en describir en unas pocas palabras una sensación o percepción que tuviésemos. Este se me ha ocurrido esta mañana de camino a clase.

Más info: Rincón del haiku

¡Mambo!

2009-04-26T06:19:00.000-07:00

Jueves 23 de abril, día de Sant Jordi en Catalunya. Olor de rosas por toda la ciudad y alrededores. Cientos de paradetas ofertando el último libro del último escritor de moda. Calles y aceras repletas de gente. Conciertos, lecturas y firmas de libros programados durante toda la jornada. Yo que no celebro nunca nada de esto -y, sin embargo, recibí mi rosa y mi libro también, gracias-, me dispongo a asistir al concierto de la Orquesta Sinfónica de la Juventud Venezolana Simón Bolívar, programado por L'Auditori en el marco de la celebración de su décimo aniversario.

No es casual que sea esta orquesta la invitada. El año pasado recibió el premio Príncipe de Asturias de las Artes como integrante del Sistema Nacional de Orquestas Juveniles e Infantiles de Venezuela (FESNOJIV), creado por José Antonio Abreu. Y éste es sólo uno de los tantos reconocimientos que ha ido recibiendo a raíz del éxito que tuvieron tras su presentación en los BBC Proms de Londres en 2007, y de su célebre director Gustavo Dudamel. En otoño de este año será él quien dirija la prestigiosa Filarmónica de Los Ángeles.

El repertorio constaba de dos partes; una primera plenamente latinoamericana, con composiciones de los venezolanos Antonio Estévez (Melodía en el llano) y Evencio Castellanos (Santa Cruz de Paicarigua), y una del mexicano Silvestre Revueltas (Sensemayá). La segunda, la sinfonía nº 4 de Chaikovsky. Y para cerrar con broche de oro y complacer al público que entre aplausos pedía ¡otra más!, el mambo de West Side Story de Leonard Bernstein y el malambo de la suite del ballet Estancia de Alberto Ginastera.

Los medios que han comentado el concierto han coincidido en algo que no se le puede negar a la orquesta: ánimo, energía, ilusión y trabajo duro. Más de 200 jóvenes músicos al compás de la batuta que lleva Dudamel, con la que orquesta sus movimientos, pero también su espíritu. La Vanguardia dedica una crítica en su edición del sábado donde destaca el esfuerzo, la calidad musical de los jóvenes, la naturalidad de su director y la encomiable labor del maestro Abreu al haber diseñado este proyecto social que se ha convertido en un modelo a seguir. También El Periódico y el Avui hacen sendos comentarios sobre el concierto. El primero compara al director de la orquesta con una estrella del pop, recibido entre aplausos y ovaciones, en tanto que el Avui le da un rango de "fenómeno" en su hazaña por sacudir el encotillado mundo de la música clásica.

Yo no conozco mucho de esta música. Este es el segundo concierto al que asisto, y mi primer acercamiento a este estilo lo tuve en el colegio cuando en ocasiones un compañero de clase nos deleitaba a todos un rato tocando alguna melodía con su violín. Sin embargo, la abstracción que me produce esta música es fantástica. Personalmente, me traslado a esos paisajes donde transcurre la acción que describen las notas musicales. Ya sea un paraje oscuro y tenebroso, un bosque invernal, una selva con árboles gigantescos de los cuales sólo se pueden detallar sus raíces, o una sabana solitaria.

El mérito de esta orquesta y de su director está en su esfuerzo por sacar adelante un proyecto que quizás se hubiese quedado en palabras de no ser por su empeño y su espíritu de superación y trabajo en equipo. No hay muchas orquestas, me atrevería a decir, que levanten al público de sus asientos para bailar al ritmo de sus notas, ni tampoco muchas que den vida a sus instrumentos, transformándolos en extensiones de sus cuerpos. No hay muchas orquestas cuyos músicos tengan la naturalidad y vitalidad que tiene ésta, donde los contrabajos son parejas de baile, los violines parecen volar por el auditorio y unos trompetistas se suben a lo más alto del escenario. Quizás era un poco de desenfado lo que le hacía falta a la música clásica para llegar a un público más variado.

Canya a Canyamars

2009-04-26T04:35:00.000-07:00

Este viernes 24 y sábado 25 de abril se celebró en Canyamars (Albergue Mas Silvestre) la IV Trobada de Joves Lectors, organizada por la Asociació Catalana de Premsa Comarcal (ACPC), con el soporte de la Generalitat de Catalunya, la Xarxa Vives d'Universitat y la Agència Catalana de Notícies (ACN). Los participantes de las jornadas éramos estudiantes de las facultades de Periodismo y Comunicación Audiovisual de la UAB, Pompeu Fabra, Ramón Llull, Abat Oliva, Vic y Elche. Las oportunidades para la prensa en época de crisis era el tema alrededor del cual debían de girar todas las ponencias.

Todo comenzó al parecer con buen pie. "Benvinguts a Canyamars, el lloc ideal per debatre el vostre futur profesional, bla, bla, bla..." El periodismo del siglo XXI, la formación académica de los periodistas, plan Bolonya, comunicación ciudadana, estrategias de superación de la crisis, empresas y comunicación corporativa. Importante éste último apartado reservado para la presentación de la Agència Catalana de Notícies como modelo de periodismo multimedia. El pase de un video meramente corporativo -tal como lo reconoció el portavoz de la agència al inicio de la presentación-, fue el cierre más hipócrita que pondría en evidencia la falsa autocrítica que habíamos realizado hasta ese momento. Al finalizar el video la gran mayoría de los estudiantes aplaudieron muy animados. Mi mesa, compartida por otros compañeros de la UAB, se quedó de piedra. Durante las sesiones previas se había debatido sobre la labor del periodista multimedia, aquél que alaban porque sabe usar una cámara de video, de fotos, un ordenador y un micrófono. Todo a la vez. Pero, señores, es que eso lo sabemos hacer desde hace tiempo ya. O bueno, no. En cualquier caso, lo que tendrían que enseñarnos es a hacer malabares con esos instrumentos si lo que quieren es que lo hagamos todo a la vez.

Muy bien que el periodista sea una persona polivalente, que sepa comunicar a través de diferentes canales con un lenguaje y un estilo particular para cada uno. Pero lo que se está promoviendo en realidad con esta concepción de nuevo periodismo es la precariedad, ya no solamente económica -pues no se necesitan cámaras ni técnicos si el periodista lo hace todo ya-, sino también informativa.

El ejemplo estaba muy claro ayer. Durante la presentación de la ACN, una periodista multimedia de la agencia llegó con su ordenador, su equipo de cámara de video y de fotos, el trípode y su micrófono. Se dedicó a dejar la cámara de video grabando unos cuantos minutos de la exposición que hizo su jefe, mientras, con la cámara de fotos al cuello hacía algunas fotografías a los estudiantes en la sala, y de vez en cuando tomaba apuntes en su libreta. A todo esto, a través del ordenador conectado a la red, enviaba la información audiovisual que estaba grabando. Al concluir su jefe, se llevó todo su equipo fuera para tomar algunas declaraciones mientras que un pequeño grupo de estudiantes de cada universidad acababan de redactar las conclusiones del encuentro. Así pues, tras hacerse la lectura de unos breves puntos concluyentes de la jornada, la periodista multimedia y su jefe de la ACN se marcharon.

Entonces, ¿este periodismo multimedia, que se nos está vendiendo como la última maravilla del universo, no está perjudicando verdaderamente la calidad informativa de nuestras noticias? ¿Dónde quedará el análisis y el tratamiento profundo de la actualidad? Porque en los 15 minutos que estuvo esta periodista en Canyamars dudo que haya podido hacerse una idea real de los que se había hablado en la jornada anterior. Un apunte más: los estudiantes que se encargaron de redactar las conclusiones finales -las que aparecerán en los medios y las que quedarán en la memoria de la Trobada- casualmente no estaban en la sala durante la presentación de la ACN, ni fueron testigos de la intervención de nuestro compañero Lluís Díaz que, en nombre de otros cuantos más, se atrevió a develar esa doble moral que cunde en nuestros medios y, desgraciadamente, en los que seremos los periodistas de mañana. Quizás pecamos de inocentes al creer que porque la ACN patrocinaba la Trobada no intervendrían de forma tan descarada como creemos que lo hicieron a nuestros ojos.

Queda claro que la crisis en los medios de comunicación no se va a solucionar con medidas que favorezcan sinceramente a los periodistas y a la imagen de la profesión. La única solución será aquella que favorezca a la empresa periodística como tal. Hablamos de pasta, vamos. No es algo nuevo. Hemos pecado.

Ítaca

2009-04-23T04:52:00.000-07:00

Cuando emprendas tu viaje hacia Ítaca
debes rogar que el viaje sea largo,
lleno de peripecias, lleno de experiencias...

Konstantinos Kavafis

Ítaca. Turístico paraje de las Islas Jónicas. Ansiada morada de Odiseo en el poema de Homero. Reclamo del clásico poema de Konstantinos Kavafis. Metáfora de la vida como viaje. Sendero de experiencias. Inspiración de muchos. Tormento de otros.

No conocía el poema -mirad mi ignorancia- hasta que una navidad, me parece, una compañera decidió dedicárselo a un amigo como parte del intercambio de regalos típico de esas fechas. Ahora, en la clase de Cultura lo retomamos. En principio como un posible paradigma de la supuesta perversión del poeta como tal. Realmente no veo la conexión que pueda existir. Lo veía más claro con el ejemplo de Drácula de Bram Stoker o Frankenstein de Mary Shelley. Quizás si algún día vuelvo a ser alguien en la red, esto es, recupero mi ordenador, quizás, digo, me proponga a tratar este tema tal cual. Ahora prefiero conectar esos primeros versos del poema de Kavafis con la charla-conferencia que ofreció Santiago Tejedor, periodista y profesor de la facultad de Comunicación de la UAB.

Bien, Tejedor hablaba del periodismo de viajes, haciendo un recorrido histórico por aquellos personajes que han propiciado este tipo de escritura. Desde Heródoto hasta el Che Guevara, pasando por Darwin y Simbad el marino. Del Che quisiera destacar una frase que figuraba en el video que acompañaba a la conferencia, y que escribió tras sus primeros viajes por América Latina;

Yo, no soy yo; por lo menos no soy el mismo yo interior. Ese vagar sin rumbo por nuestra Mayúscula América me ha cambiado más de lo que creí...

Frecuentemente ocurre que lo que menos conocemos es lo que tenemos más cerca. Para el Che Guevara, según explicaba Tejedor, el factor improvisación es esencial en cualquier empresa que emprendamos. Ya sea un viaje, ya sea el camino a tomar en nuestra vida.

Hoy día la improvisación en un viaje consiste en pillar a buena hora alguna oferta del vueling o similares para pasar el puente lejos de casita. Y ni que hablar de viajes "culturales". Visitar cientos de catedrales y demás sitios turísticos realmente a veces se aleja más de lo que pensamos de la verdadera cultura de ese lugar. Está claro que no podemos generalizar, pero casos así los hay. Y bastantes. Vaya usted de paseo por Las Ramblas una tarde de verano y se dará cuenta de ello. ¿Por qué venden los típicos sombreros mexicanos en Barcelona? Si alguien encuentra alguna conexión de este sombrero con la cultura catalana, que me disculpe entonces, pero antes que me explique cuál es. Cuando llegué a Barcelona tras un viaje de más de 9 horas desde Caracas, traía en mi cabeza las imágenes de la más tradicional, típica y turística visión de España. Los toros, las sevillanas, el vino en bota... y poco más. Así que fue una bonita experiencia ir descubriendo todos los pequeños detalles -ya no sólo históricos, arquitectónicos, etc. Sino también, y más importante, la variedad de lenguas, tradiciones, colores, texturas... que conforman esta cultura cada vez más rica.

... que el viaje sea largo, lleno de peripecias, lleno de experiencias.

Puedo afirmar sin ninguna duda que mi viaje ha sido hasta el momento muy largo. Y con cientas de experiencias individuales y compartidas. Como escribía el Che Guevara, yo, ya no soy yo. O al menos no la misma que subió a un avión hace 4 años. Ya no hay marcha atrás, y quizás tampoco sea necesaria. Ahora sólo nos queda la añoranza.

Miope

2009-04-22T03:45:00.000-07:00

No recuerdo como es eso de ver sin gafas. Desde los 5 años me acompañan los lentes que encubren mi miopía y mi astigmatismo. Herencia de familia. Paterna, para más inri.

Las primeras eran de un marco dorado con un pequeño corazón rosa en los bordes. Pesaban bastante, recuerdo. Los compramos en Caracas, en el Centro Ciudad Comercial Tamanaco (CCCT), lo más in de la época. Aún me viene a la cabeza la sensación de vacío que sentí -y que es muy frecuente en todo el que lleva por primera vez gafas graduadas-; era como si estuviese flotando, los objetos no tocaban el suelo y, al intentar bajar las escaleras, tropezaba escalón tras escalón.

Después me parece que tuve unas que parecían un festival de colores. Como entrar a una tienda de golosinas de esas que hay en el metro. Eran muy grandes, redondas y, curiosamente, más livianas que las otras. Creo que las deseché rápidamente, no me gustaban nada. Así que en posteriores vacaciones de verano fui posando en mis orejas otras gafas... negras, rojas. Las rojas las compré con mi abuela en el centro de Caracas. Una mañana de julio subimos a un autobús atestado de gente que nos dejó en medio de la calle. Sí, sí, en Venezuela las paradas "formales" no existen, o no se les hace caso. Caminamos por una acera estrechísima, recorrimos varias plazas con palomas revoloteando, carritos de granizados (de limón, naranja, parchita... con miel, leche condensada), hombres que limpiaban los zapatos a otros hombres con traje... hasta nos dio tiempo de pasar frente a la casa natal de El Libertador.

Al final, y bajo ese manto de sol ardiente, llegamos a un edificio del casco antiguo, abandonado, en penumbras, era terrorífico, lo prometo. Subimos en un ascensor muy viejo, sólo cabían unas cuantas personas. Una mujer mayor de cabello largo sentada en un taburete se encargaba de marcar los pisos. Quizás la tienda estaba en una tercera planta, eso ahora no lo sé. Nos atendió un señor amable, nos enseñó varias gafas y me decidí por unas rojas carmesí de pasta. Mi abuela regateó hasta más no poder, eso sí que lo sé.

Dos años y medio después, cuando ya empezaba a confundir las cosas de lejos, me regalaron otro par. Y hasta ahora las llevo. Antes he de hacer un inciso para relatar brevemente mi experiencia en el mundo de las lentillas. Nunca más. Cuando fui al oftalmólogo para una prueba de los lentes de contacto, fue como si hubiese estado sentada en la misma silla de torturas de La naranja mecánica de Kubrick. Bueno, exagero. Pero algo parecido. Qué sensación tan extraña eso de tener un pedazo de vidrio envolviendo tu ojo. Esto es elemental; no nos gustan los extraños, el cuerpo los rechaza. Y mi aventura no duró mucho. A la primera semana ya había extraviado uno.

Y ahora dirán, ¿me ha contado todo este rollo para qué? En Periodismo cultural teníamos esta semana un poco de carta blanca para escribir sobre algún objeto que nos llevara a reflexionar. Yo había pensado primero en el tren; típico, sí, pero fundamental. Pero entonces me di cuenta de que podía viajar todo lo que quisiera pero si no podía ver los paisajes que figuran a través de los cristales, poco disfrutaría. En un tren, cerrado y con la calefacción al máximo -o el aire acondicionado, según la temporada-, pocas oportunidades tenemos para palpar, saborear, escuchar u olfatear el mundo que tenemos ahí fuera. Sin embargo, sí que lo podemos apreciar. La vista es para mí uno de los sentidos fundamentales. Sin mis gafas me siento desnuda ante un público enorme. Incapaz de discernir claramente y comprender lo que está a mi alrededor.

Los lentes se han inventado para corregir los defectos de la visión. Corregir, enmendar, subsanar, mejorar, reparar... el verbo que prefieran poner. Nunca sustituir. Cada mirada es única, provista de sus particularidades, para bien o para mal. Qué mejor metáfora que esta de las gafas... Las hay que son muy oscuras y nos intentan ocultar algo, las hay más claras o esas fotocromáticas que van variando con la intensidad de la luz su transparencia. Está claro que hoy día cualquiera nos pone unas gafas encima para cambiarnos la perspectiva. Más claras o más oscuras, más fashion o no.

Asegúrese unas gafas de buenas miras, por favor.

¿Un' altra Amy?

2009-03-15T09:33:00.000-07:00

Sintonizando Icatfm alguna de estas noches, escuché la voz desgarradora de Giusy Ferreri, una italiana que ha visto el éxito tras su paso por Factor X. Su primer disco reúne seis canciones versionadas de artistas como Tiziano Ferro o Caterina Caselli y que en realidad son las mismas que interpretó en el concurso. Gaetana, su segundo disco, tiene un sello más personal. 13 canciones en las que además cuenta con la participación del ya citado Tiziano Ferro y de Linda Perry, vocalista de 4 Non Blondes.

Las comparaciones con la cantante británica Amy Winehouse no han tardado en hacer acto de presencia. Y la verdad es que sí, se parecen. Y bastante. Incluso se le ha acusado de plagio por su canción Novembre. Aunque para mí el mayor parecido está entre la nueva versión de Ferreri del Insieme a te non ci sto più y el You know i'm no good de la Winehouse. Para mí el inicio es el mismo. Pero juzguen ustedes que puede que tengan mejor oído musical que yo.

Yo creo que es consciente del parecido con la loca del moño, pues ya en el casting de Factor X cantó el no, no, no del Rehab de Amy.

¿Han descubierto una nueva estrella? ¿La chica no tiene la culpa de que primero haya sido martes (Winehouse) y después miércoles (Ferreri)? ¿Mera técnica publicitaria en época de crisis y afán desesperado por vender algún disco?

No sé, a mi la chica me gustó, para qué mentir. Será ese italiano que atrapa...

Más videos en el YouTube.

De sabores, pasiones y colecciones

2009-03-14T09:53:00.000-07:00

El sentido del gusto, mmm... Muchos adjetivos pueden ir de la mano del gusto, pero a mí sin duda ese sillón de 22 millones de euros me sabe amargo. Mis papilas gustativas se han activado gritando: ¡¿qué?!... Que me disculpen los grandes catadores del arte, pero a ese sillón no le veo, ni le siento nada bonito ni agradable, ni funcional. Y para más inri, la subasta de Yves Saint Laurent y Pierre Bergé batió el record de los records en lo que a colecciones privadas se refiere, con decirles que ya la llaman "la subasta del siglo".

No hablaré de arte porque no lo consumo, al menos no el ARTE con mayúsculas que van promoviendo las grandes casas de subasta. Pero sí de coleccionismo.

Buscando en el Google información sobre la historia del coleccionismo me topé con este estudio de la Universidad de Alicante que me sirvió de enlace a la obra de autores como Jean Baudrillard o Maurice Rheims, y que tratan precisamente de ese ataque coleccionista del ser humano. Dice Baudrillard en The system of collecting que "los objetos tienen dos funciones: pueden ser utilizados o poseídos", y lo relaciona con una teoría que expondría antes Rheims sobre la naturaleza del coleccionismo. Para ellos, este afán de poseer objetos nos viene de la más tierna infancia y del deseo de crearnos un microcosmos. Así, vamos recolectando caracoles en las playas por el verano o piñas en el invierno, por ejemplo. Una vez llegada la adolescencia este deseo decae en pos de otros más carnales, y no es hasta la edad más adulta (a partir de los 40, probablemente) cuando resurge este comportamiento quizás como una salida al deseo y las pasiones que no son satisfechas ya por el acto sexual.

Extraña teoría, sin duda. Prometo que leeré más a fondo sobre el tema y quizás algún día os explique más al respecto.

La cuestión es que ese objeto se convierte en fetiche, en un producto del deseo, de poseer algo sobre lo que tener el control, e incluso puede adquirir un cariz mágico-religioso como afirma Pavel Novák en The role of collections in the history of humankind. Según él, el objeto adquiere múltiples significados y uno de ellos suele estar ligado a la muerte, por eso en la antigua China y Egipto solían enterrar a sus muertos rodeados de sus tesoros. A Yves Saint Laurent le han despojado de sus tesoros, y fue su propio compañero sentimental... yo de él dormiría con la luz encendida y los pies a resguardo bajo la manta.

Esto del coleccionismo, pues, viene de mucho tiempo atrás, pero no es hasta el Renacimiento que se hace explícito, gracias a las colecciones privadas de las monarquías centroeuropeas. Tan meticulosos eran los monarcas que las grandes obras de arte las cubrían con cortinas que sólo ellos podían descorrer. Después viene la Ilustración y el acceso de la burguesía igualmente a estas obras de arte. Y un poco más tarde, el capitalismo que marcaría una nueva pauta en cuanto a la consideración del arte. Del coleccionista romántico y pasional al coleccionista inversor. De una satisfacción estética a una satisfacción económica.

El coleccionista normalmente se caracteriza por buscar aquellos objetos hermosos, raros o curiosos, pero únicos; la unicidad es la base del coleccionismo. Y supongo que con lo que ha costado el sillón será único en el mundo. ¿Quién tendrá sus posaderas sobre él? Aunque mi verdadera pregunta es si en un futuro no muy lejano, ¿este pr€ciado mueble no podría convertirse en uno más de esos que fabrican en serie tiendas como Ikea? Sería todo un espectáculo verlo en el catálogo de año nuevo. Y me atrevo a pronosticar beneficios muy altos para los vendedores. Imaginad la cara de quien se ha gastado más de 20 millones de euros. Esperemos a ver qué sorpresa nos traen las nuevas tendencias... yo, sin embargo, me quedo muy humildemente con mi hamaca.

Multi - uni - visiones de España

2009-02-28T04:38:00.000-08:00

Va usted caminando por Plaza Urquinaona y una gran valla publicitaria (?) anuncia la exposición de Sorolla, Visión de España en el Museu Nacional d'Art de Catalunya (MNAC), patrocinada, si puede decirse así, por Bancaja, bien claro, para que no quepan dudas de que las entidades financieras de hoy día se preocupan tanto por la conservación del patrimonio artístico nacional. La imagen que nos recibe es la de El Pescado. Cataluña, que Joaquín Sorolla pintó en el otoño de 1915, y que forma parte de los 14 paneles encargados por la Hispanic Society of America de Nueva York en el año 1911.

Será la divina casualidad que puede usted continuar caminando y en las próximas dos paradas de autobús seguro que se encuentra una marquesina con la foto de Penélope Cruz luciendo tipo y modelito en la nueva colección de Mango. Y dirán ustedes: ¿casualidad, por qué? Pues, porque el tema que hoy nos interesa aquí es la visión que se exporta de una España. No me extrañaría que despúes del Oscar que le han dado a Cruz, el departamento de márketing de Mango corriese a colgar en las marquesinas la foto de la nueva ídolo de masas, porque, reconozcámoslo, más de una señorita-señorito estará tomando nota frente al televisor en la hora punta de los programas del tomate -sí, el Tomate ya no está, pero han quedado sus vasallos- sobre el modelito de la Cruz la noche de la gala del Oscar, y el modelito para ir al súper, y el de los domingos de quedarnos en casa. Porque eso es lo que tienen las grandes superficies, productos de estrella a precio de mercadillo.

Y bien, ¿qué relación pueden tener unos paneles de Sorolla pintados a inicios del siglo pasado, con la temperamental María Elena que interpreta Pe -cómo odio que le digan 'Pe'- en Vicky Cristina Barcelona? La respuesta en medio de los comerciales. No, no, bromas televisivas aparte, la respuesta es muy fácil: el típico tópico español. Sí, el mismo que llena páginas de diarios y minutos del telediario alabando la espectacular interpretación de Cruz de la mujer mediterránea, y el mismo que ha adornado durante décadas la biblioteca de la Hispanic Society of America. Que no les engañen los grandes paneles que simulan un recorrido por diferentes sociedades de una misma... ora Sevilla, ora Galicia; aquí la jota, allá los toros. Ni tampoco esos repentinos cambios de humor y esa sensibilidad muy española que fotograma tras fotograma despide la María Elena de Pe. Lo digo yo que he viajado hasta aquí y me he encontrado con algo más que toros, botas de vino, bailaores y jamón.

Si el vulgo y el artista han caído en las redes de la simplificación será porque es el camino más corto y facilón, y ya conocemos las debilidades de la carne humana. A todos nos gusta simplificar, y si no echen un vistazo a las listas que salen cada día -especialmente a finales y principio de año- con los discos más vendidos, las películas más taquilleras, los lugares más visitados, etc, etc, etc... Es más fácil cocinar un menú igual para mil personas que hacer un menú para cada una, ¿no?. Entonces, ¿para qué gastar tiempo y creatividad en representar la variedad más variada de España si con un par de ídolos bien patrocinados y omnipresentes en los medios ya nos va bien?

La exposición de Sorolla se podrá ver en el MNAC hasta el 3 de mayo y es gratuita, un incentivo con el que los organizadores esperan convertirla en la exposición más visitada de España. Y para quienes aún no hayan visto Vicky Cristina Barcelona, esta semana Mediapro ha decidido aumentar la presencia de la película en las salas españolas distribuyendo 34 copias más. No son tontos en Mediapro, no. Aunque no sé yo si alguien se atrevería a volver a verla.

Sorolla. Visión de España

MNAC

Del 20 febrero al 3 de mayo

Horarios:

M-S (10-19h)

Domingos (10-14.30h)

Gratuita

Vicky Cristina Barcelona

http://estrenos.lanetro.com/vicky-cristina-barcelona-20303072

Ojalá

2009-02-17T07:11:00.000-08:00

Este año se conmemoran 400 años de la expulsión de los moriscos de tierras españolas bajo el reinado de Felipe III en 1609. En el marco de esta celebración se han organizado diferentes actividades que van desde conferencias, congresos y exposiciones hasta la realización de un largometraje: Expulsados, 1609, La tragedia de los moriscos. El filme es una coproducción de Aragón TV con TV3 y la productora Sagrera TV, y relata la historia de Juan, un joven cuyos antepasados tuvieron que exiliarse a Túnez al igual que otros 300.000 descendientes de musulmanes a causa del decreto del gobierno del duque de Lerma, que equivaldría a unos seis o siete millones de personas en la actualidad, según José María Perceval, asesor de la producción.

Esta expulsión no fue un acontecimiento aislado; el exilio "voluntario" había comenzado años atrás cuando estos pobladores comenzaron a vender sus tierras y marcharse a países como Túnez, Argelia y Marruecos, principalmente, y que se convirtieron en los países de acogida de este considerado excedente de población.

Los que una vez fueron mayoría se transformaron paulatinamente en una minoría repudiada, obligada a convertirse al cristianismo y, en consecuencia, a mantener de puertas para adentro algunas de las costumbres musulmanas que pudieron conservar en base al "maquillaje" de las mismas. Tal es el caso de la escritura aljamiada, que eran textos escritos en letras árabes pero con contenido de romances castellanos o valencianos.

De la época de los moriscos también se han mantenido expresiones como "moros en la costa" o "mala leche", que remite a la transmisión de un determinado carácter a través de la leche materna y que se usa hoy como una forma de denominar el carácter más severo de una persona; y otras palabras como "ojalá" (Dios dirá).

Lejos de intentar buscar una única causa y un único culpable, esta conmemoración debería servir a todos para hacer una reflexión acerca de la condición humana y la tendencia del ser humano hacia la intolerancia y el rechazo de todo aquello que no cree "propio".

+ info:

Sinopsis: Expulsados, 1609, La tragedia de los moriscos

IV Centenario Expulsión de los moriscos

Mutabilidad

2009-02-16T08:38:00.000-08:00

El primer libro que recuerdo haber leído fue La Metamorfosis de Franz Kakfa. Tuve que releerlo unos años más tarde para comprender la obra en sí. No entendía qué de fascinante podía tener el que un hombre se transformara de repente en un insecto, atrapado en su habitación, aislado del mundo... Y con el tiempo lo descubrí. Descubrí en la lectura un apasionante mundo donde poblar con imaginaciones las realidades que no podían ser. Viajé y atravesé océanos, campos y montañas. Recorrí atestadas y solitarias calles. Viví en casas de paja y palacios donde todo lo que relucía, sí, sí, era oro. Y con cada línea descubría también algo de mí, de nosotros. De ahí lo fascinante de la lectura.

Y como esto va de cambios, novedades, mutaciones, transformaciones, escisiones y demás... un fragmento de un poema que aparece en Frankenstein;

Descansamos, una pesadilla puede envenenar nuestro sueño.

Despertamos, un pensamiento errante nos empaña el día.

Sentimos, concebimos o razonamos, reímos o lloramos.

Abrazamos una tristeza querida o desechamos nuestra pena.

Todo es igual, pues ya sea alegría o dolor el sendero por el que se alejará está abierto.

El ayer del hombre no será jamás igual a su mañana.

Nada es duradero, salvo la mutabilidad.

P.B Shelley.